Podartgallery

Focus on Velazquez

2011-02-08T11:18:00.000-08:00

Diego Velasquez, 1599-1660
On a tous entendu parlé de ce géant de la peinture espagnole dans le monde entier. Pourtant, la plupart de ses toiles se trouvent au Musée du Prado, et du fait de leur ancienneté, elles ont du mal à voyager. On croit souvent que Velazquez avait le soucis du détail devant la foule de portraits proposés. Mais si on a la chance d'en approcher un de près, on s'apercoit que sa technique nous fait tromper notre regard. A la fois peintre de la cour et aussi "curator", il eu la chance de pouvoir voyager en Italie d'ou il développa sa technique. Notes sur 2 de ses tableaux :

1-La Reddition de Bréda (The surrunder of Breda, 1534-1535)
Nous avons l'impression d'arriver à un moment historique : l'échange de clés de la ville de Breda. Justin Nassau, chef des troupes hollandaises est face à Ambroglio Spinola, Commandant de l'armée espagnole. Les vainqueurs, à droite, ont de larges chapeaux, de grandes bottes, leurs costumes sont lourds, leurs armures se reflètent presque. L'artiste renforce cette notion de pouvoir avec le nombre de lignes verticales répétées (29 contre 5 !). Le cheval au premier plan à droite qui nous tourne le dos, est très musclé, retenu par son écuyer (de dos). Et derrière se cache le peintre, spectateur de la scène (autoportrait). La compostition contient 3 plans. Le premier avec les personnages (voir le détail des visages), le deuxième : les lances (Las lanzas, aussi titre du tableau) et au fond, on peut voir des restes de collines incendiées. Le centre est dominé par les clés. Cette huile sur toile est exposée au Musé du Prado de Madrid, il a des dimensions très imposantes : 3,81m x 3,07m. Rappelons juste que ce tableau fut l'objet d'une commande du roi d'Espagne pour décorer le Salon des Royaumes du Palais du Buen Retiro à Madrid. Il symbolise les conquetes espagnoles sur les hollandais. Cependant, Velazquez n'a jamais été à Bréda mais s'est fait conter le soulèvement de la ville (qui dura 9 mois) par le Général Spinola lors d'une traversée de l'Atlantique vers l'Italie (influence de Rubens). Bréda sera reprise par les Hollandais en 1639.

2- Las Meninas : Ce tableau (3,18 x 2,76m) représente l'une des infantes Marguerite en compagnie de sa "cour" : servantes, nains, chien, pendant une séance de peinture. La composition est très importante (4 diagonales vers le centre). Une lumière étrange éclaire un personnage au fond à droite. Le peintre n'est autre que Diego Velazquez (on lui aura rajouté cette croix rouge sur son costume bien après sa mort). La profondeur de l'atelier de l'artiste fait apparaitre plusieurs plans. Ce tableau symbolise le courant baroque. L'énigme du miroir persiste encore de nos jours. Le couple royal participe-t-il à cette séance de peinture ? Est-il face ou derrière le tableau ? Le jeu du miroir fut repris dans "Vénus à son miroir", ou encore par Manet.

Scope New-York 2009

2009-03-04T20:02:00.000-08:00

SCOPE

Lincoln Center Damrosch Park

62nd street and Amsterdam

http://www.scope-art.com

L'édition de Scope New-York se tient du 5 au 8 mars 2009 au Lincoln Center à New-York...

Voici en avant-première, quelques belles images du salon.

1- Greene Contemporary galery : art conceptuel

Hannah Cole
Gulf, 2009,
22"x22", oil on canvas

Nicole Mauser,
Hello World, 2007, 27"x 35",
Acrylic and high gloss varnish on masonite

2- Fernando Pradilla galeria, Madrid

Juan Francisco Casas

Stylo à bille, 31 ans, originaux
Prix : 10-15.000

On adore !

3 - Gallery Sun Contemporary, Seoul, Korea

www.suncontemporary.com

Debbie Han

a Bowing Grace,

115x220cm, Lighjet print, aluminium, acrylic glass, 2007

Attitude traditionnelle, respectueuse, trop parfaite !

b- A Shy Grace, 100x220cm, Lighjet print, aluminium, acrylic glass, 2007

4- hpgrp Galllery Tokyo

Kanako Okya,
acrylic
oil on wood, 595x840, 2008

Comme du découpage,
girl $ 3.000

5- Sara Tecchia Roma New-York

Sebastien Denz

Skateboarding.3D

Prix : $ 5.000
From Chelsea
Déjà tous vendus !
A suivre...

6- www.798AvantGallery.com, NY
Zhu Yi Yong

Family Memory

No 2, 2008
Oil on canvas
160 x 120 cm
Courtesy of 798 Avant Gallery, New York

Valeur sure chinoise.

Galerie située dans le centre

de Manhattan (sentier), pour faire un petit stop entre 2 courses.

7 - Licht Feld Gallery, Suisse

Marck

La galerie suisse présente les vidéo électroniques comme l'année dernière, et c'est toujours un succès. Le sujet reste claustrophobique : une femme tente désespérément de sortir du cadre, et les installations relèvent d'un montage de transistor électronique. Le prix est souvent exhorbitant. Artiste à suivre...
Turkysh Bath 2008, 86 x 51 x 22cm small Version 22 x 30 x 12 cm

8-Mike Weiss Gallery, New-York

Yigal Ozeri Cet artiste israélien n'hésite pas à utiliser la peinture à la manière d'un photojournaliste ! Yigal Ozeri Untitled; Jana and Jessica in the field, 2009

Art Street Street Life

2009-03-01T14:07:00.000-08:00

Street Art Street Life, From the 1950 to now

Bronx Museum

1040 Grand Concourse

Bronx NY 10456

www.bronxmuseum.org

George Maciunas, photograph as a

poser for "Street Eve

nts" at Fluxhall, New-York City, 1964, gelatin-silver print, 16x20 in. Courtesy Gilbert and Lila Silverman Fluxus Collection, Detroit.

Liste des artistes :

Vito Acconci, Francis Alys, Amy Arbus, Joseph Beuys, Blak Noise Project, Sophie Calle, Valie Export, Robert Frank, Lee Friedlander, Daniel Guzman, Raymond Hains, David Hammons, Tehching Hsieh, Kimsooja, William Klein, Nikki S. Lee, Zoe Leonard, Sze Tsung Leong, Les Levine, George Maciunas, Gordon Matta-Clark, Barbara Moore, Peter Moore, Nils Norman, Claes Oldenburg, Yoko Ono, Adrian Piper, Robon Rhode, Martha Rosler, Edward Ruscha, Allan Sekula, JamelShabazz, Xaviera Simmons, Fatimah Tuggar, David Van Tieghem, Jacques de la Villegle, Garry Winogrand, David Wojnarowicz, Martin Wong.

Les habitants des villes ont-ils changé les villes ou

les villes ont-elles changé les habitants ces cinquantes dernières années ?

Lydia Yee, la commissaire de l'exposition, a traité le sujet de manière académique et surtout chronologique. Alors ne soyez pas déçu si ça ne fait pas de bruit, si c'est propre et bien acroché, si on voit autre chose que des tags et des danceurs Hip-Hop. Nous sommes pourtant au coeur du Bronx, et en parallèle, étaient organisés toute une séries de festivités autour de l'art dans la ville (musique dans la rue, brocantes... ). Juste après, Lydia est partie à Londres à la galerie Barbican.

De Robert Frank à Peter Moore, en passant par le

célèbre Basquiat, David Hammons, Francis Alys ou même Sophie Calle (!?), l'histoire et la culture de la rue ont beaucoup évolué. Cette muse a inspiré de nombreux artistes.

Et vous, êtes-vous rat des villes ou rat des champs ?

Untitled, Two Boys : Sizzlin 'Chicken', Jamel Shabazz, 1981

L'exposition commence dans les années 50 avec William Klein et Robert Franck. La photo documentaire prend un virage. Les photographes de l'époque veulent exprimer la spontanéité en plus du côté esthétique. Au lieu de d'attendre la bonne pose et le sujet, ils provoquent parfois les sujets à réagir, comme c'est le cas sur cette photo de Klein. Klein est né en 1928. Il a toujours été très innovant dans le monde de la mode où il commença à travailler avec le magazine Vogue en 1954. Il est aussi très connu pour ses documentaires sur Mohamed Ali.

La rue comme une muse...

Dans les années 60, les photographes utilisent les objets trouvés dans les rues et les transforment, ou encore ils prennent en photos des micro-évènements. Bref, ils prennent la rue comme objet. Ils se l'approprient, et transposent les objets de la rue pour en faire de l'art.

Lee Friedlander, New-York Ci

ty, 1966, gelatin-silver print, 11x14 in, Courtes

y the artist and Janet Borden, Inc.

Ici, Jacques de Villeglé trouve ses matériaux dans la rue et recompose des affiches lui-même. (voir retrospective au

centre Pompidou, décembre 2008).

A gauche, Valie Export, artiste féminine autrichienne, se ballade à Vienne....

Photo : Valie Export/Qrtists Rights Society (ARS), New-York, via VBK, Vienne.

A la fin des années 60, au début des années 70, la rue devient un espace formidable d'expression sociale et politique, comme le montrent Valie Export, ou Garry Winogrand.

Garry Winogrand, Untitled, 1962, gelatin-silver print, 815/16x131/2in. Moma, NY.

Le début des années 80 n'hésite pas à montrer la pauvreté de la rue, les sans-abris, ou à l'opposé, la bourgeoisie. On trouve alors une grande variété d'approches : du réalisme au conceptualisme. Par exemple, d'un côté Martin Wong (porte enchaînée du Lower East Side en peinture) ou l'expérience extraordinaire de Tehching Hsieh (qui s'est balladé pendant toute une année dans Manhattan)

Photo : Courtesy of PPOZ Gallery, New-York

Vidéo de Daniel Guzman : New-York groove à voir absolument !!!

http://www.youtube.com/watch?v=twNA3AeJ4ac

Les vingt dernières années ont vu émerger de nouveaux artistes qui ne vivent plus forcément dans les grandes villes (ou dans certains quartiers comme à New-York). L'art s'est fortement professionnalisé.

Fatimah Tuggar, elle, exploite le thème de la ville pour montrer les contrastes entre pays. Elle utilise le procédé de photomontage pour amener le spectateur à réagir.

Fatimah Tuggar, Coverfield, 2008, computer montage inkjet prints on vinyl, 30x45 in. A project of public art fund.

D'autres, comme Robin Rhode ou Xaviera Simmons continuent de se servir de la ville comme thèmes à leurs recherches artistiques...

Pour conclure...

Le musée du Bronx présente une collection permanente des 20ème et 21ème siècles d'artistes africains, asiatiques, latins et américains. A l'origine, le musée était abrité dans un palais de justice du Bronx sur le Grand Concourse, 161ème rue. En 1982, il déménagea 5 blocs plus loin au nord dans les locaux d'une synagogue achetée par la ville de NY. En 2004, le musée du Bronx commença la construction d'un bâtiment de 16 000 square feet conçu par la société Arquitectonica de Miami. Il ouvrit ses portes à l'automne 2006. Une deuxième structure de développement est prévue....

mike 5

2009-01-30T19:11:00.000-08:00

Mike 5

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2009-01-30T12:55:00.000-08:00

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2009-01-30T06:03:00.000-08:00

An afternoon with Art and Horses

2008-10-27T11:43:00.001-07:00

PGArtventure Gallery
2130A Boston Post road
Larchmont NY 10538
T : 914.834.5100

An afternoon with Art and Horses

L’art et les chevaux organisent une rencontre dimanche après-midi à Scarsdale dans le Westchester. « An afternoon with Art and Horses » est le résultat des deux passions de Pascale Goldenstein, commissaire de cette exposition. Depuis qu’elle a découvert le monde de l’équitation il y a un an et demi dans le Wyoming, elle cherchait à montrer la connexion entre « l’interaction spirituelle avec l’animal et le monde l’art ». En montrant ses œuvres sur les chevaux dans le centre d’une arène, Pascale souhaite faire partager ses émotions entre l’art et la nature avec le public.

De nombreux artistes ont travaillé sur ce thème, connus et reconnus : Lorena Guillen Vashetti, Jacky Ananou, Michael Zansky, Dominick Lombardi, Martin Barnett, Rolf Saint Agnes, Piotr Klemensiewiewicz, Carole Campbell, Jen Bakalar, Rob Fuerer and Alex Girshin. Peinture, sculptures, vidéo, tous les supports artistiques seront exposés au milieu des chevaux, dans une ambiance musicale.

Installée depuis 25 ans aux Etats-Unis, Pascale garde un accent bien français. Propriétaire d’une galerie à Larchmont, elle souhaite mettre en avant des artistes connus (exemple : Michael Zansky, artiste exposé à Chelsea), ou émergents dans une région proche de Manhattan. Une ballade en famille idéale en cet automne au centre équestre de Boulder Brook ! Un pourcentage des bénéfices sera reversé à une association pour les chevaux âgés.

Patrick Demarchelier Part I

2008-10-03T18:37:00.001-07:00

September 12 - October 25, 2008

Staley Wise gallery
560 Broadway 3rd floor
www.staleywise.com

Rétrospective de Patrick Demarchelier en avant première à Soho

En avant-première à New-York, la galerie Staley Wise présente les clichés les plus célèbres du photographe de mode Patrick Demarchelier. Si vous n’avez pas l’occasion de voir l’exposition au Petit Palais à Paris, stop à Soho, de nombreuses stars sont affichées en noir et blanc.

Christy, New-York, 1990
Platinum print, 28x32 inches, edition 1/20, signed, $80.000

Patrick Demarchelier est à l’honneur dans les deux capitales de la mode. Ce français, expatrié à New-York en 1975 a suivi un formidable parcours de photographe. Sa passion remonte à l’âge de 17 ans, lorsque son beau-père lui offre un appareil photo. Il se passionne, et travaille pour un petit laboratoire de retouches au Havre. Son départ pour Paris, et sa mission pour le magazine Vogue lance sa future carrière internationale.

A New-York, son nom est associé aux magazines Vogue et Harper’s Bazaar pour les grandes campagnes publicitaires et les reportages pour les grandes marques comme Calvin Klein, Ralph Lauren, Louis Vuitton, Chanel, Lancôme, Guerlain… A Londres, il réalise une série de photos sur Diana et devient le premier photographe étranger officiel de la cour en 1989 ! Coté show bisness, il travaille sur les films et campagnes officiels de James Bond (Die another Day), Sex and the city, A love affair, etc.

Madonna, 1990
Toned gelatin silver print, 16x65 inches, edition 1/5, signed $20.000

Il côtoie les grandes stars dont on peut voir les clichés : Scarlett Johanson, Madonna, Cindy Crawford, Elton John… En s’approchant de plus près, il étrange de constater qu’elles n’ont pas ce regard distant de d’habitude. Elles conservent toujours beaucoup de beauté mais expriment un humanisme particulier. Patrick explique qu’il cherche à les mettre à l’aise en discutant avec elles, et effectue souvent ses meilleurs clichés vers la fin de la séance.

Cette dualité ressort nettement ici : posture glamour et ultrasophistiquée des mannequins, regard profond des célébrités. Du calendrier Pirelli aux portraits de stars ou encore d’animaux sauvages, Patrick Demarchelier surfe sur la vague de la photographie de mode.

Nue, St. Barthelemy, 1989
Toned gelatin silver print, 20x24 inches, edition 10/25, signed, $50.000

Milton

2008-08-27T06:18:00.000-07:00

Accent : Paris
Milton J. Ellenbogen

Fine Art Photography

31 Mamaroneck avenue, suite 607

White Plains, NY 10601

Milton est un passionné de photo. Il y a 5 ans, il décida d'y consacrer sa vie à plein temps, et ouvrit une galerie à White Plains. Drôle d'idée pour un new-yorkais !

Croisé par hasard cet été, il me confia son histoire, plus précisément sa rencontre passionnante avec deux artistes très connus du monde de l'art : Théodore Fried et André Kertesz, tous deux d'origines hongroises, comme Milton.

Alors qu'il rendait visite à sa fille dans son immeuble de Greenwich Village un après-midi de 1973, Milton rencontra Théodore Field dans la galerie en bas de l'immeuble. Ils échangèrent sur l'art et acheta une toile. Cette histoire changea le cours de sa vie...

En 1921, Théodore Field quitta Budapest pour Vienne, il avait alors 19 ans. Après avoir réussi à vendre difficilement quelques unes de ses toiles à une galerie locale pendant 2 ans, il obtint un vrai one-man show. Avec cette argent, il partit à Paris pour tenter sa chance. Aprés 6 années de travail acharné, de bonnes critiques et d'un autre one-man show, Fried rejoint le groupe d'artistes en vogue composé de Chagall, Kandisky, Lhote et Esteve.

Dans la capitale, les émigrés hongrois se donnaient rendez-vous au café du Dôme, ils parlaient d'art et de politique. Fried développa une longue amitié avec André Kertesz.
Mais en 1938, Kertesz trouva un job pour un magazine americain et partit pour les Etats-Unis. Il supplia son ami de quitter la France, il craignait que Paris soit bombardée par les allemands.

Alors juste avant l'invasion nazie, Théodore Fried suivit le sculpteur Jacques Lipchitz à Toulouse. A cette époque, Fried était recherché par la gestapo car il communiquait des informations à la rési

stance et faisait passer de faux papiers.

La résistance arrangea son départ par les Etats-Unis en 1942 par le Serpia Pinta, le dernier bateau français autorisé partir pour les Etats-Unis par Rossevelt.

Milton rencontra Kertesz dans l'appartement de Fried en 1978. Dès le début, il lui avoua son envie de revenir en France. Il disait qu'il était déçu de "l'attitude de son pays ainsi que de son matérialisme". L'art, disait-il, était plus attaché au marché qu'au mérite artistique'. Il sentait aussi que la photographie n'avait pas le même statut que la peinture ou la sculpture.
En France, des photographes hongrois comme Brassai ou Capa bénéficiaient déjà d'une

certaine reconnaissance.

Fried mourrut en 1980 à l'age de 78 ans et nomma Milton ainsi que deux autres collectionneurs exécuteurs et administrateurs de ses biens. Entre-temps, Milton avait acheté une demi-douzaine de toiles, et environ le même nombre de dessins et d'aquarelles.
Dans la collection de Fried, figuraient 30 photos de Kertesz, et d'autres oeuvres d'artistes.
En Europe, et plus précisément pendant la période d'entre deux guerres, les artistes faisaient beaucoup d'échanges de leur travail expérimental. C'est ainsi que Kertesz possédait quelques oeuvres de Fried. A cette époque, Milton fréquentait régulièrement Kertesz.

A cette époque, Milton avait commencé à participer à des ventes aux enchères, en achetant des photos petit à petit. Kertesz lui donna quelques photos en cadeau, mais surtout de précieux conseils sur son art. Il disparu malheureusement en 1985 à l'age de 91 ans. Hilton Kramer, le critique d'art du NYT , fit l'apologie de l'artiste et de son oeuvre. Il faut dire que son travail avait été reconnu par les plus grandes institutions, surtout les cinq dernières années de sa vie. Le Metropolitan Museum et le Musée d'art de Chicago lui avaient rendu un bel hommage en présentant chacun une exposition l'année de sa mort.

Quelques années après la mort de Kertesz, Milton décida de vendre sa société d'édition pour lancer à plein temps dans l'achat et la revente de phographies d'art. Il exerce son métier avec passion et se demande toujours : "pourquoi ne pouvons-nous pas avoir une variété d'intérets dnas lesquels nous pouvons faire plus qu'une chose très bien. La réponse est : nous pouvons et faisons souvent.

Milton est allé une dizaine de fois en France, avec sa femme ou des amis. Il la étudié le francais à l'alliance francaise et à Berlitz. Il aime la France, et notamment la place qu'occupe l'art dans la culture francaise. Il espère transmettre les oeuvres et l'histoire de Fried et Kertesz à travers son travail, ces 2 rencontres de 1973 qui lui ont changé le cours de sa vie !

Le chant des sirènes chez Staley Wise

2008-07-31T06:59:00.000-07:00

Staley Wise Gallery
Mermaids
Michael Dweck
June 19 - September 6, 2008
560 Broadway NY www.staleywise.com

Lillian Bassman, Across the Restaurant, Barbara Mullen, Harper's Bazaar, 1949 (Plate 20)

Entrer dans la galerie Staley Wise ressemble à une entrée dans les studio d'Hollywood, une entrée dans la légende de la photographie des stars. Pour moi, le mythe était symbolisé par la photo de Lilian Bassman au grand Véfour. Une femme pleine d'élégance et de grâce dans un des plus grands restaurants de Paris. Pour d'autres, il s'agit des portraits de Marylin par Bert Stern, de Richard Avedon, de David LaChapelle ou Patrick Demarchelier. Rien de mieux que de se laisser tenter un après-midi de fin juillet, où la chaleur est à son comble, que les pieds brulent sur l'asphalte new-yorkaise et que le bruit gronde dans Soho. Du temple de la consommation au temple de la photographie, franchissons le pas...

Murs blancs et bleu turquoise, parquets blancs et plafonds hauts, l'atmosphère est rafraichissante, pas un bruit dans cette galerie. Sur les murs, les photos des sirènes de Michael Dweck, le célèbre photographe de mode américaine. Tantôt photo de mode (fashion, ou cosmétique), tantôt photo artistique, les sirènes nous accueillent à bras ouverts, comme l'Allégorie de Charles Beaudelaire. Elles nagent, elles dansent, elles ondulent, elles séduisent le regard du visiteur. Elles sont d'une sensualité étonnante, parfois masquées par les vagues, comme une surface vitrée. Le mouvement de l'eau corrige leurs maigres imperfections, la lumière renvoie les charmes de ces femmes aux corps de rêve. Pas de vulgarité, pas de voyeurisme, la légende des sirènes est préservée. Quelques clichés en noir et blanc font penser aux images du Grand Bleu de Luc Besson, lorsque le héros s'enfonce dans les abysses. On entend presque la musique d'Eric Serra accompagner l'instant poétique !

Les muses, qui se métamorphosent au rythme des vagues et de la lumiére extérieure (naturelle ou projecteur) ont été photographiées à Long Island, Miami et Weeki Wachee Springs en Floride.
Difficile de donner un âge à Michael Dweck. Il a commencé par les couvertures des grands magazines de mode américaine(Vanity Fair, French Vogue, Esquire). Né à Brooklyn et élevé à Long Island, il étudie au Pratt Institute, et trouve son inspiration sur la pointe de Long Island.
Un brin nostalgique, il met en avant ses photo de surfeurs, tels les cow-boys des mers. Il avoue avoir toujours choisi les personnages locaux afin de rester fidèle à la légende de Montauk, même si parfois, on l'accuse de vouloir montrer des femmes aux corps trop partfaits tels des mainnequins. Il dit travailler avec 7 appareils photo autour du cou et 3 part terre. Chacun aurait, selon lui, ses spécificités. Cela lui a permis de rapporter de nombreux prix (40, dont celui du Festival international de publicité à Cannes). Il a pulbié des ouvrages, dont : The End (2004) et Mermaids, publiés en juin 2008. Le prix est à la hauteur de la qualité du travail et de la notoriété du photographe ($18 000 pour certaines).

La galerie a été ouverte en 1981 par Takouhy Wise et Etheleen Staley, elle représente les grands photographes de mode. L'accueil est très chaleureux. La propriétaire très charmante m'invite même à revoir mon rêve en différents formats derrière les murs de l'exposition. Lilian Bassman au milieu des sirènes, un rêve éveillé !
Le rendez-vous est pris à la rentrée avec Patrick Demarchelier.

Photos :
1 - Mermaid 1, 2 - Mermaid 18, 3 - Mermaid 41, 4 - Mermaid 37, @staleywise

Buckminster Fuller in Chelsea

2008-07-13T07:51:00.000-07:00

Sebastian + Barquet

June 11 - August 16, 2008
544w 24street

www.sebastianbarquet.com Starting with the Universe
Cette galerie fait l'écho de la formidable rétrospective de Richard Buckminster Fuller, architecte, designer, philosophe, visionnaire...
au Whitney Museum (http://www.whitney.org/www/buckminster_fuller/about.jsp)
Richard Buckminster était un grand visionnaire, souvent incompris des autres. Son parcours fut difficile (misère, dépression, faillite) sa reconnaissance tardive. Sa devise : Doing "more with less" coïncide avec celle d'aujourd'hui : rechercher l'efficacité maximum avec un minimum d'effort.

Il est connu grâce au dôme géodésique de Montréal, pavillon américain de l'exposition universelle de 1967 (devenue "biosphère", écosystème et développement durable).
Un an plus tard, "Bucky" obtient le prix de l'American Institute of Architects et 5,3 millions de spectateurs en 6 mois !

Mais aussi de nombreux échecs ! Fuites d'eau, températures élevées en plein été, et un incendie en 1976. Le gouvernement canadien donne alors 17,5 millions de dollars pour renforcer le dôme et développer le site touristique.

La vision globale que proposait Buckminster était bel et bien avant-gardiste. Il souhaitait créer un espace habitable avec un cinquantième des matériaux normalement utilisés (cf un peu comme le défi de Frank Loyd Wright avec Usonia, cf post 06/2007).
La conception du dôme vint après d'autres essais de sphères aux Etats-Unis : coupole d'un restaurant dans le Massachussets en 1952 et Fort dôme en Ilinois en 1953.

Sa vision systémique se complétait avec celle du triangle, forme parfaite, selon lui.
Cette démarche l'entraina dans la conception de plusieurs concepts dont celui de l'"Icosaèdre" (20 faces de triangles équilatéraux), l'Octet Truss, la synergie et synergetics, la Tensegrity (cf sculpture plus bas : interdépendance entre la tension et la compression d'une structure), le Thétrahedron (4 triangles équilatéraux).

La galerie de Chelsea présente des images de ses premières inventions :

- le Dymaxion car, 1933, un véhicule avec des ailes : la voiture de Fantomas !
- le célèbre bateau "Dymaxion rowing shell"; une oeuvre d'art. Mélange de fibres de carbone, d'allumminium et de bois bleu et rouge, il trône dans la galerie, est proposé en série limitée de 100 exemplaires par une galerie de Cincinnati pour la modique somme de 60.000 dollars.

- la Dymaxion Air-ocean world map (1989), qui, une fois pliée, représente une mapemonde d'une dimension de 6 feet par 12 ! ($10.000). (A l'époque; elle fit l'objet d'un brevet).

The Full Projection[TM] Dymaxion Air-Ocean World Map, 1938, Trademark Buckminster, Full Institute, © 1938, 1967 & 1992

La galerie, qui expose habituellement du design, montre 6 sculptures.

Une impression de déjà vu pour Twelve Degree of Freedom (1980, 30,000 dollars), Victor Equilibrum Jitterbug Duo, 1980, (5,000 dollars) ; ou encore Complex of Jitterbugs, 1976 (50,000) qui rappelle étrangement les sculptures d'Olafur Eliasson.

Le portefolio d'époque, propose des sérigraphies de ses inventions les plus célèbres et les dessins au papier calque supperposés donnent une dimension nouvelle à ces objets. Par exemple, le sous-marin apparait en deux dimensions.

Encore un peu d'histoire de Buckminster ? Après avoir été expulsé "faute d'ambition" d'Havard ; après avoir dessiné avec succès une maison en 4D pour l'expo de Chicago (1927) ; après avoir racheté un magazine d'architecture "Shelter" dont il devint le rédacteur en chef pendant 2 ans et malheureusement fermé ; après avoir enseigne au Black Mountain College, exposé au MOMA en 1959, puis fait la une du Time Magazine, il fit des conférences dans le monde entier, et fut également conseiller du gouvernement pour le développement spatial !

Opération réussie pour ces francais installés a Chelsea depuis plus de 2 ans. La galerie gagne en notoriété, et en traffic ; ce jour-là, elle était très fréquentée.

Ramis Barquet

Set n°3

Catarina Lira Perira

Gilberto & Gabriel Colaçao

June 12 - July 11, 2008

532 West 24th street

www.ramisbarquet.com

Habituellement, cette galerie crée en 1987 à Monterrey au Mexique, propose des artistes sud-américains.

L'ouverture d'une seconde galerie dans le Fuller Building en 1996, offrit aux visiteurs la possibilité de pouvoir contempler des artistes mid-career et émerging en plein centre de Manhattan. En 2003, la création d'une troisième galerie à Chelsea donna l'opportunité aux artistes de tous horizons de venir exposer (mix-média, photo, peinture, etc.)

Catarina Lira Perira est une artiste jeune et déjà connue. Née en 1977 à Bordeaux en France, elle partit vivre au Portugal en 1989. Elle fait l'école des Beaux-Arts à Porto et rencontre à cette occasion son futur mari. Ses tableaux sont de grands formats. Inspirée par les dessins animés mangas des années 80 de son enfance, ses tableaux mélangent plusieurs dimensions ainsi que plusieurs styles : figuratif et abstrait. Les trais monochromes verticaux recouvrent les visages des héros de dessins animés, l'image est cachée, le spectateur essaie de distinguer les trais. Une sorte de Murakami abstrait ! Ses oeuvres sont déjà cotées 6.000 dollars, un bon début pour cette artiste jeune et pleine d'avenir !
Boisson, 2008, acrylic on canvas, 200x200, saatchi galery

Gilberto et Gabriel Colaco sont deux frères jumeaux artistes portugais aussi. Ils ont fait la meme école des Beaux Arts. Ici, ils partagent des toiles de 2m sur 2, ou le fond est clair la plupart du temps, et les objets pixélisés. Ils jouent sur la perception, l'illusion, et le besoin d'espace. Lequel des deux est son mari ? Pour voir la vidéo de l'opening : http://youtube.com/watch?v=CQVTbrfb6Eg&feature=related car malheureusement, l'expo est déjà terminée. HW#1, 2006, Alejandra Von Hartz gallery

Mike Weiss Gallery
520 West - 25th Street
Christian Vincent Runyon Canyon
www.mikeweissgallery.com
Si vous avez loupé l'exposition de Christian Vincent (artiste américain né en 1966 en Californie) et vivant à Los Angeles.... Ce n'est pas grave, car nous n'avons pas trop aimé de toute façon ! Sa peinture s'inspire de celle de Baltus : peinture réaliste, narrative qui nous place souvent en conflit entre le présent et le passé. ($10.000-$15.000).

DJT Fine Art
213 Tenth Avenue, 24th street
www.djtineArt.com

Welcome to djtfine Art comme l'indique le site web de cette galerie.

Dominic Tagliatella, qui en est le fondateur, s'était tout d'abord installé dans le New Jersey, puis sur Madison Avenue en 1981. Après avoir transféré sa galerie il y a 6 ans environ, il continue de proposer avec toute son équipe des artistes du fameux mouvement Cobra, mais aussi des oeuvres d'artistes très connus : Andy Warhol, Arman (son ami français du groupe des nouveaux réalistes des années 60), Alex Katz, Wesselmann, Haring, Calder, Sol LeWitt, Picasso, Rauschenberg... Et pour attirer le public américain, il a suspendu un tableau de Larry Rivers (d'une valeur de $200.00) à l'entrée de sa galerie de 4.000 sq feet. Sa devise : "to show much good art as possible".
Larry Rivers, Webster, Mixed media on canvas, 1983, 96 x 66 inches
A retenir : 2 artistes :
- Allan d'Arcangelo (1930-1998) : peintre américain, influencé par Fernand Léger, inernationalement reconnu. Grâce à son style Pop art, il mélangea les couleurs les plus vives. Il entra à la galerie Malborough en 1971, réalisa de nombreux murs et finit sa carrière comme Professeur Emérite à la School of Visual Arts et au Brooklyn College. Landscape, acrylic on canvas, 54 x 48 in

- Mark Kostabi, peintre américain et compositeur. Né en 1960 à Los Angeles de parents imigrés estoniens (frère ainé du musicien Paul Kostabi). Arrive à NY en 1982, et devient 2 ans plus tard une figure incontournable du quartier East Village de NY. Puis il se lance aussi dans la production de shows à la TV, et finit par se facher avec de nombreuses personnalités connues (Silverster Stallone, par exemple).

Fay Lansner à Larchmont

2008-06-19T04:39:00.000-07:00

Fay Lansner- Pastel and Charcoal on Paper 18"x24"

PGartventure Gallery
2130 a Boston post road
Larchmont, NY 10538
Tel : 914.834.51.00
Pgarventure Gallery
Jusqu'au 4 juillet

Fay Lansner, artiste de 87 ans, figure majeure du second mouvement de l’Expressionnisme abstrait est exposée à Larchmont (Westchester) dans une toutes nouvelle galerie. Vernissage ce vendredi, en présence de l’artiste.

Un air de Chelsea plane sur le Westchester. La galerie, qui a ouvert ses portes en avril dernier, propose une exposition d’une qualité exceptionnelle, digne d’un musée new-yorkais.

Fay Lansner a participé pleinement au mouvement de la communauté artistique américaine d’avant-garde de l’après-guerre mondiale. En Europe et aux Etats-Unis, son œuvre a profondément marqué la condition des femmes artistes du 20ème siècle. En 1971, elle cofonde le mouvement WIA (Women In Art) en 1971 : organisation qui avait pour but de changer l’opinion du public et des institutionnels au sujet des femmes artistes. Deux ans plus tard, elle défile devant le MOMA à NY pour protester envers les pratiques discriminatoires des conservateurs de musées. L’exposition "Women choose Women", composée de 109 femmes artistes, marque le point de départ de l’histoire des femmes artistes américaines.

Issue d’une famille juive russe qui échappa au tsar et s’établit a Philadelphie, Fay Lansner commence ses études a la Tyler School of Fine Arts a Philadelphia. Elle déménage à NY en 1948 où elle étudie avec Hans Hoffman à la Art Students League. En 1950, elle passe une première année à Paris et étudie avec Fernand Leger, André Lhote. Elle commence à développer un style abstrait avec de larges traits ou des couleurs fauvistes. De retour à NY, elle travaille au 10th Street Studio et expose ses œuvres à la galerie Hansa. Elle entretient des relations avec Elaine Kooning, Miriam Schapiro et Larry Rivers, et Joan Mitchell.

Fay Lansner - 1948 Easter Sunday, Pastel 18" x 24"

Tout au long de sa carrière, Fay Lansner a utilisé différents supports : dessins, peinture, collages, et même tapisseries avec les laines d’Aubusson fortes en intensité de couleurs. Elle explore son identité par le biais des images. Elle ajoute « Quand je pense au passé je pense à ma mère… quand je pense au futur je pense a mes enfants, sur le moment, je suis l’actrice principale de ce terrible drame ». La subjectivité la pousse dans la recherche de sa propre définition, elle a toujours combiné l’intuitif, l’intellectuel, et les formes féminines ; le tout doté d’une grande charge émotionnelle.

Pascale Goldenstein, consultante en art depuis plusieurs années et installée aux Etats-Unis depuis 1982, a toujours entretenu des rapports privilégies avec les artistes internationaux. En décidant d’ouvrir une galerie à Larchmont, elle se lance un défi : proposer des artistes connus ou reconnus dans un environnement convivial en banlieue de NY. Mais son but reste le même : « je voudrais avant tout faire partager ma passion ».

Fay Lansner - 29, Pastel

Fay Lansner- Pastel and Charcoal on Paper 18"x24"

Le FAM et ses lions

2008-01-25T10:56:00.000-08:00

Le FAM et ses lions
Gilded lions and jeweled horses
Folk Art Museum
49 East 52nd Street
NY NY 10022
http://www.folkartmuseum.org/

Vous connaissez cette adresse. Je suis sure que vous etes passés des milliers de fois devant sans vous arrêter, sans vous apercevoir que derrière le grand Moma se trouve le Folk Art Museum. En France, on l'appellerait le Musée des Arts et Traditions populaires. On y trouve de tout : des peintures du 17ème siècle à nos jours, en passant par la sculpture, la photographie, les textiles, la céramique, les arts décoratifs les plus divers et aussi quelques oeuvres d'art contemporains réalisées par des artistes autodidates nationaux et internationaux... (source photo : http://www.nyc-architecture.com)
Le batiment, ouvert pour la première fois en 1961, a été rénové et rouvert en décembre 2001 par Tod Williams et Billie Tsien (TWBTArchitect). L'un, titulaire d'un master d'architecture de Princeton, a travaillé pendant 6 ans avec Richard Meier ; l'autre, a enseigné à Parsons School of Design, Harvard, Yale. Bill est le Vice-President de la Municipal Art Society de NY. Mélange subtil de béton et de bois, le batiment est tout en hauteur (30.000 square foot !). 7 des 8 étages proposent des sortes de galeries dédiées au public, espaces intimistes pour permettre un rapport personnel à l'oeuvre. L'immense skylight au plafond rappelle un peu celui de la galerie de Yale. Il diffuse une lumière naturelle à travers les galeries. Alors, commençons par le haut... La collection permanente a été réinstallée le 16 novembre 2004, elle est divisée en 4 parties.

AMERICAN FOLK ART MUSEUM
Photo: Michael Moran, 2002

1 - Le Symbolisme : pas la peine de dévellopper, voici quelques exemples :

- Tableau de Seneque Obin (peintre haïtien, 1893-1977), "Les Amis".
Le message est clair : les gens de toutes les races se tiennent la main, américains et haïtiens ; en fond de toile, des symboles maçoniques.

- Quilt de Jessie B. Telfair of Parrot (1913-1986, Georgie). Elle réalisa ce quilt après avoir été licenciée parce qu'elle s'était inscrite pour voter en Géorgie en 1960. Le mot Freedom est écrit verticalement 6 fois en rouge, blanc et bleu.
Jessie B. Telfair (1913-1986), Parrott, Georgia, 1983
Cotton with muslin backing and pencil inscription, 73 x 75 in. American Folk Art Museum, gift of Judith Alexander in loving memory of her sister, Rebecca Alexander, 2004.9.1, Photo by Gavin Ashworth

2 - L'utilité :
L'objet combine l'utilité, l'individualisme et l'art décoratif.

- La chaise en métal de Richard Dial appelée : "the comfort o Moses and the 10 commandments", 1988. (Dial avait commencé une petite entreprise de mobilier de jardin en métal pendant qu'il travaillait comme réceptionniste à l'hotel Pullman.

The Comfort of Moses and the Ten Commandments, from Folk art revealed, Richard Dial (b. 1955), Bessemer, Alabama, 1988, Steel and wood with hemp and enamel, 57 x 33 x 32 1/2 in. American Folk Art Museum purchase made possible with grants from the National Endowment for the Arts and the Metropolitan Life Foundation, 1990.3.5, Photo by Bard Wrisley

- Anna Gould Crane, by Sheldon Peck (c.1837) Sheldon Peck était un portraitiste itinérant autodidacte de l'Illinois, qui peignait sur du bois et faisait lui-même ses encadrements (1797-1868).

3 - L'individualité :
signature de l'artiste, expression individuelle.

- Encyclopedic Palace of the World (1950) by Marino Auriti of Kennett Square, Pensylvania. Artiste autodidacte a fabriqué en 3 ans cette tour en bois, métal, plastic et celluloid. Tour construite sans clou ni colle !

- Eugene Von Bruenchenhein (Milwaukee, 1910-1983) : Animals appear as plants dwellers of the sea, 1956, from Folk Art revealed
Paint on corrugated cardboard, (carton ondulé), 21 x 24 in.
American Folk Art Museum, Blanchard-Hill Collection, gift of M. Anne Hill and Edward V. Blanchard Jr., 1998.10.58, Photo by Gavin Ashworth

4 - La communauté :
(environnement institutionnel : écoles, prisons...)

- Devil House, 1960, Frank Jones, ouvrage fabriqué en prison
FRANK JONES (1900-1969)
Devil House, 1960s, Graphite and colored pencil on paper
12 x 18 inches (30.5 x 45.7 cm), Signed lower left

- Nek Chand, sculpteur indien dont le Rock Garden est ouvert au public à Chandigarh, en Inde, depuis 1976.
Boy, from Concrete Kingdom: sculptures by Nek Chand, (b. 1924), Chandigarh, India, c. 1984
Concrete over metal armature with mixed media
34 x 12 x 16
American Folk Art Museum, gift of the National Children's Museum, Washington, D.C., from the Capital Children's Museum Nek Chand Fantasy Garden, in honor of Gerard C. Wertkin, director of the American Folk Art Museum, 1991 to 2004, 2004.25.24
Photo by Gavin Ashworth

Gilded lions and jeweled horses

Lions, decalogue, and hands of a Kohen from Anshe Emeth Synagogue, from Gilded lions and jeweled horses : the synagogue
to the carousel, Marcus Charles Illions, (1865/1874-1949), Coney Island, Brooklyn, New York, c. 1920, Paint, gold paint, and gold leaf on wood with glass eyes
32 3/4 x 71 3/8 x 9 in. The Sea Breeze Jewish Center, Brooklyn, New York, Photo by August Bandal, New York

L'exposition "Gilded lions and jeweled horses : the synagogue to the carousel" retrace l'epopée des sculpteurs orignaires de l'Europe de l'Est et du centre de l'Europe, qui ont fait partie de la grande vague d'immigration en Amérique dans les années 1880 et 1920, et qui ont joué un rôle peu connu dans la culture américaine. L'exposition a été conçue par Murray Zimiles, artiste et Professeur au College de Purchase (et coordonnée par Stacy C. Hollander du Folk Art Museum).

Decalogue, lions and jeweled horses : the synagogue to the carousel, from Gilded lions and jeweled horses : the synagogue to the carousel, Artist unidentified, Probably Ohio, 1882, Paint and gold paint on wood, 36 x 48 in., Hillel Jewish Student Center, Cincinnati, gift in memory of Jack Katz by his wife, children, grandchildren, and great-grandchildren, 1989.035, Photo by Mark Bealer, Cincinnati

Dès l'entrée, les photos qui montrent le travail des sculpteurs d'Europe de l'Est dans les synagogues (Pologne et Biélorussie aux 17 et 18e siècles), sur les tombes ou à travers les découpages (tradition en Pologne dans la seconde partie du 19e siècle lorsque le papier était bon marché) est saisissant.
Exterior of the wooden synagogue in Chodorów, Ukraine, mid-seventeenth century/ photo courtesy Polska Akademia Nauk, Instytut Sztuki, Warsaw

Detail of the ceiling and ark from the synagogue in Chodorów, Ukraine, mid-seventeenth century /photo courtesy Polska Akademia Nauk, Instytut Sztuki, Warsaw

En arrivant aux Etats-Unis, ils ont transféré un savoir-faire emprunté au domaine du sacré à la culture populaire.

Lorsqu'ils arrivèrent en Amérique, les sculpteurs fabriquaient des meubles en bois. Puis les animaux apparurent :"Be bold as a leopard, swift as an eagle, fleet as a deer and strong as a lion, to do the will of thy Father who is Haven". Les sculptures de chevaux de bois se faisaient à la demande. Le travail était d'une précision extrême, d'un grand dynamisme : crinière dans le vent, la bouche ouverte pour montrer ses dents, décorés de bijoux de verre. Cette précision rappellait celle des découpages et des sculptures des ornements des synagogues. Les animaux apparaissent alors en 3 dimensions au lieu de 2.

Standing horses with jeweled trappings, from Gilded lions and jeweled horses : the synagogue to the carousel, Marcus Charles Illions (1865/1874-1949), Coney Island, Brooklyn, New York, c. 1911-1927, Paint on wood with jewels and glass eyes, 59 1/2 x 70 x 19 in. The Charlotte Dinger Collection, I1-B, Photo by August Bandal, New York

Parallèlement, la société des loisirs se développa et le carrousel y trouva sa place, notamment à Coney Island. Marcus Charles Illions, le Michelangelo des carrousels rajouta même des roulots de style rococo, il a été l'un des premiers à utiliser les feuilles de métal sur les crénières des animaux. Le style baroque envahit le carrousel.

Salomon Stein et Harry Goldstein ont fabriqué également les plus grands chevaux sculptés, et produisirent les plus grands carrousels. L'un d'entre eux mesure 60 feet et transporte plus de 100 personnes (cf. Caroussel de Central Park dont les animaux ont été fabriqués en 1908, et toujours en service actuellement !).
Armoured horse, Solomon Stein (1882–1937) and Harry Goldstein (1867–1945) / Coney Island, Brooklyn, New York / c. 1912–1917 / paint on wood with glass eyes, leather bridle, and horsehair tail /58 5/8 x 63 x 14 7/8" / American Folk Art Museum, New York, gift of the City of New York, Department of Parks and Recreation, 1982.4.1

Les lions eux, qui gardent le Décalogue ou les 10 commandements, sont presque tous dorés à la feuille d'or. Les détails, tout comme les découpages, sont aussi impressionnants. Ils font le lien entre la culture populaire et le sacré. Sur le mur blanc des découpages, on trouve entre autre :
- la Mizrah polonaise d'Israel Dov Roxenbaum (horloger) fabriquée en 1877 (plaque suspendue à la maison qui indique dans quelle direction il faut prier),
- le calendrier d'Omer de Baruch Zvi Rig's, produite à Rochester en 1904 pour l'étude de la Mishnan (code de la tradition orale), le plus grand en calligraphie hébraique.
La sculpture et le découpage de papier étaient une tradition et un savoir-faire masculins.
MIZRAH, from Gilded lions and jeweled horses : the synagogue to the carousel,Artist unidentified, Ostrow-Masowiecka, Poland, 1890-1891, Ink on cut paper, 21 x 20 1/2 in., The Gross Family Collection, Tel Aviv, 036.011.010, Photo by Vladimir Naikhin, Jerusalem

Après la 1ère guerre mondiale, la grande épopée des chevaux de bois s'est essoufflée, au profit de la fabrication en fibre de verre. Un épisode malheureux retrace l'incendie du grand carrousel construit par M. Camel (Dreamland park à Coney Island), un jour avant l'ouverture du park en 1911.

Carousel horse with lowered head, from Gilded lions and jeweled horses : the synagogue to the carousel, Charles Carmel (1865-1931), Coney Island, Brooklyn, New York, c. 1914, Paint on wood with jewels, glass eyes, and horsehair tail, 58 5/8 x 63 x 14 7/8 in., American Folk Art Museum, gift of Laura Harding, 1978.18.1, Photo by John Parnell, New York

Démonstration surprenante du lien que les artistes ont forgé entre la synagogue et le carrousel en tant qu'artistes immigrant juifs, et transférant des éléments symboliques visuels en exemple vulgaire américain. Au mois de mars 2008, R. Bloomberg annonça un plan de restauration de 2 millions de dollars pour le dernier Carrousel B&B de Coney Island.

Chafatino’s carousel, by M.C. Illions Carousell Works, Coney Island, Brooklyn, New York, 1923 / photo courtesy Barney Illions and Flying Horses, Rolling Hills, California

Les aquarelles du musée de Brooklyn

2008-01-15T19:25:00.001-08:00

Brooklyn Museum Brushed with Light: American Landscape Watercolors from the Collection
Brooklyn museum
http://www.brooklynmuseum.org/

Comme tous les musées du monde, les réserves regorgent d'objets exceptionnels. Le musée de Brooklyn, connu pour ses thèmes novateurs, présente ici un vrai trésor : une série d'aquarelles des grands artistes américains (dont ceux de l'Hudson River School, pour ceux qui suivent, les post civil war, et les modernes...)
Rien d'exitant, et pourtant, prenez une loupe, approchez-vous du tableau...
Cette collection est la plus riche et aussi la premiére constituée aux Etats-Unis (1906). On ne peut la voir qu'une fois tous les 10 ans, dans une quasi-obscurité (les aquarelles sont très fragiles à la lumiére, et sont restaurées régulièrement, voir photo du Brooklyn Museum). Alors la curator, Teresa A. Carbone a joué sur le coté intimiste de la muséographie : murs sombres (bleu marine et bordeaux) pour accentuer la lumière des aquarelles, avec des encadrements (parfois d'origine) telles de toiles impressionnistes.

Un peu d'histoire. L'aquarelle est une technique qui emploie les pigments de couleur (naturels ou artificiels, , bref des particules suspendues dans l'eau. A cela, on ajoute de la "gomme arabique", de l'ambre...) L'aquarelle représente une vraie révolution pour les artistes de l'époque ; ils pouvaient partir peindre les paysages sur place avec leur malle en bois, et exécuter fidèlement les paysages. En focalisant sur le travail de la lumière, l'aquarelle acquiert ses lettres de noblesses. Tout comme la peinture, cette technique met en avant le soucis du détail, les nuances et les transparences. Les grands noms de la peinture américaines se succèdent donc ici, l'exposition est chronologique.
La première est un paysage du Lake George (Narrows at the lake George, introuvable sur internet pour le moment) dans les tons de gris (nuances de bleu, rouge et jaune). Cette aquarelle a été réalisée en 1777, par William Pierie, un capitaine de l'armée britanique. Le paysage y est bien équilibré : lake entre les montagnes, ciel et nuages : composition en avance sur les paysages de l'Hudson River School.

A l'origine, l'aquarelle était un média plutot associé aux illustrateurs et aux amateurs. Son statut évolua très rapidement. Au début du 19ème, l'aquarelle est considérée comme une pratique artistique (distincte de la peinture à l'huile). De nombreux aquarellistes collborèrent avec des imprimeurs, des graveurs.

Thomas Eakins, Whistling for plover, 1874. (Ici, l'artiste choisit l'aquarelle plutot que l'huile pour faire ressortir le plus de lumière possible)

Les formats sont généralement grands, et les encadrements aussi. Les artistes composent des vues différentes (nature, pont de Philadelphie), ils ont le soucis du détail à tel point qu'il ne reste plus d'espace blanc dans la feuille, tout est recouvert par des couleurs.

The Samuel Fleet Homestead, Frances Flora Palmer, 1850s. Maison au coin de Fulton et Gold streets à Brooklyn, reproduites en 1884, dans une publication : History of Kings County and Brooklyn by Stiles. (Elle ressemble beaucoup à celle d'Albert Fitch Bellows (Coaching in New England, 1876) dans la technique : ombre sur les chevaux, arbres sombres au centre, nuages (procédé de saturation grace à la gomme arabique). Malheureusement pas trouvée sur le net.

Rudolph Cronau, (American, born Germany, 1855-1939) View from Greenwood Cemetery, Brooklyn, 1881.

Ils ajoutent la lumière à la fin, vont du plus foncé au plus clair, et ajoute les effets "transparence". Thomas Cole et Frédéric Church ont peint aussi beaucoup d'aquarelles. Puis, ce fut le tour des illustrateurs, et après la guerre civile, l'aquarelle acquis un vrai statut. Elle pouvait etre enfin vendue.

1857 : Exhibition of English Art, qui traverse plusieurs villes américaines et lance véritablement l'aquarelle. L'American Watercolor Society est alors créée en 1866. C'est un mouvement qui dure jusque dans les années 1885 environ. les sujets sont les memes que les peintures, les tailles des oeuvres ne pas minuscules du tout, au contraire.
Wislow Homer l'utilise comme un media à part entière.

Wislow Homer, Fresh air, 1878

Wislow Homer, In the jungle, Florida, 1904.

Du détail de la nature, il se dirige vers un trait beaucoup plus spontané. D'abord, il ne recouvre pas toute la feuille, ensuite il prend et enlève des éléments (ajoute des couches, dilue les teintes), et propose des sujets moins réels (exemples : la barque, la jungle, l'ours et Homosassa).

Winslow Homer, Bear and canoe, 1895.

Winslow Homer, Homosassa, 1904.

Les impressionnistes capturent la lumière, elle a plus de valeur que l'objet lui-meme.

John Singer Sargent, Zuleika, 1906.

Frederick Childe Hassam (Americain, 1859-1935), Sunday morning Appledore, 1912.

Maurice Brazil Pendergast (American, 1858 - 1924) Sunday on the beach, 1898.

La peinture moderne pousse les artistes à composer des surfaces telles qu'ils le ressentent. Les traits sont modifiés. Les détails disparaissent, les lignes deviennent de plus en plus droites, l'aspect visuel change aussi. Cela est doute du au changement de papier. La qualité est meilleure : ca gondolle moins et ca fait aussi moins de bulles.

En 1923, le Brooklyn museum est le premier
à acquérir des aquarelles d'Edward Hopper ou de John Sargent.

Edward Hopper (Americainm 1882-1967), House at Riverdale, 1928.

Thomas Hart Benton, Lassoing Horses, 1930.
(Prof de Pollock !)

John Marin (Americain, 1870-1953), Deer Isle, 1914.
(Premier séjour dans le Maine, Penobscot Bay, ou il acheta sa propre ile. Les lignes sont abstraites, avec un motif central. Influence cubiste de Picasso et Braque.) My favorite !

La crise de 29 se ressent dans le choix des couleurs des aqurelles (tons plus foncés, bruns, noir). Les peintres travaillent l'aquarelle comme un vrai tableau, et profitent de la variété des techniques (couches de peintures, coups de pinceaux, éponge, encre...)

Charles Demuth (Americain 1883 - 1935), Roof and Steeple, 1921.

Joseph Pennel, Brooklyn bridge.

Oscar Bluemner, Loving moon, 1927.

Quarry by William Thon, ca. 1952

Contemporary cutting edge

2007-12-16T07:49:00.001-08:00

Contemporary cutting edge, pleasure of collecting, part III

Bruce Museum

One Museum Drive
Greenwich
http://www.brucemuseum.org/

Ca commence par "Je voudrais vous parler de la dernière exposition que j'ai vue, et qui était fantastique !" A ce moment là, les têtes se baissent, on laisse passer la longue tirade...

Et pourtant c'était bien le cas dans ce petit musée "bijou" du Bruce Museum. Un vrai festival d'art contemporain, bref d'un échantillon de tout ce que les grands noms de l'art contemporain comptent aujourd'hui. Une collection ultra-privée (tous propriétaires dans le connecticut), représentés grâce à Lehman Brothers.

Ca commence par Andy Warhol (Mona Lisa en bleu) et Saul Steinbert... puis le peintre anglais David OKNEY : Outpast Drive, Hollwood, un tableau peint en 1980, qui représente les collines de Los Angeles avec une perspective suprenante et des couleurs empruntées à Matisse et Picasso. Les virages n'en finissent pas, tout comme les symphonies de Wagner dont il est passionné.

Place à Sol LEWITT, artiste conceptuel américain mort en 2007 pour 2 oeuvres totalement différentes. La 1ère, réalisée en 1978, présente une sorte de mur de photo polaroïds (cf article Pat Kurs pour le côté vintage). La 2ème est plus connue : Modular Open cube, une sorte de maquette en bois, l'idée est intéressante. Sa côte a déjà du monter !

Jean-Michel Basquiat est aussi présent. Celui qui avait vendu des cartes postales à Andy Warhol dans le métro se retrouve accroché dans un musée avec pour signature, sa fameuse couronne.

Pas d'images ? Aucune de ses oeuvres (précises) n'est trouvable sur internet, achat ancien, pas de passage par une gallerie, private collection oblige....

Le détenteur de cette arraignée de Louise Bourgeois soit être heureux car tout le monde attend avec impatience son exposition prévue à la Tate Gallery très bientôt... Le symbole féminin de l'arraignée est toujours présent, elle aurait même été désignée pour aider à guérir du Sida...

Place à la couleur avec Joan Mitchell, (Chord VII, 1987, oil on canvas, private collection)

On laisse les magnifiques dessins sur papier et huile de
Cy TWOMBLY (Formian Dreams and Actually, 1982)

et de Gerhard RICHTER,

pour se diriger
vers Georgia, le portrait extraordinaire
de Chuck CLOSE réalisé en 1984. Tout est réalisé sur une grille, point par point, un travail de patience énorme pour cet artiste américain handicapé.

Les animaux sont largement représentés. Stop sur le mouton dans le formol de Damien HIRST. Des explications s'imposent. Il est vrai que l'artiste a travaillé dans une morgue, il est vrai qu'il fait partie du mouvement YBA (Young British Artist), il est vrai qu'il est le chouchou de Bernard Arnault, et qu'il fait la vedette actuellement sur Park Avenue.

On trouve aussi un chien empaillé (Cheap to feed) de Maurizio Cattelan, et une photographie d'un cow-boy avec son cheval, style Marlboro de Richard Prince.

Le thème de la mort est aussi très présent avec la sculpture enfermée dans cette énorme vitrine en bois et verre. Death of Marat représente un autoportrait de l'artiste, Gavin TURK. Un petit trou au bout du cercueil laisse entrevoir les attributs personnels du personnage en cire plus vrai que nature.

Virage à gauche où Kiki SMITH n'aurait pas laissé de mode d'emploi pour reconstituer cette sculpture, la Daisy-Chain (1992-93). Aurait-elle pris la grosse tête depuis son exposition au Withney museum ?

Le foetus de Ron Mueck
(Brooklyn Museum) semble caché en hauteur : de peur d'effrayer les jeunes visiteurs. Finalement, on les préfère gigantesques ou minuscules les sculptures de cire de Ron Mueck ?

En tous les cas, les deux femmes sur la photo de Vanessa BEECROFT n'ont pas l'air heureuses de manger. Même si elle prend ses photos sur des instants présents, celui-ci semble froid et sans saveur.

Portrait de Susan au Marty's, 1988. Kent Bellows, phtotographe américain (1949-2005).

Flash sur la Bridal Super Nova de E.V. Day, une artiste américaine qui a beaucoup fait parler d'elle à la dernière biennale de Venise. Son effet est réussi, la mariée explose dans sa cage. Bon courage à sa femme de ménage pour entrenir cette oeuvre. (Même problème pour Petah COYNE, avec ses colliers de perle collés dans le plâtre).

Le skate de Jeff Koons passe totalement inaperçu dans un coin du musée (pas sa dernière vente à Sotheby's, un énorme coeur pour... dollars). Les cerises de Takashi Murakami, 2005 ont toujours l'air apétisantes,
les sushis de Mahomi Kunikata (2006) aussi.

Impossible après cela de réaliser la posture du Sphinx (Fortuna) de Marc QUINN.

Pour finir, inutile de s'arrêter trop longtemps devant le vase de Grayson PERRY
(He comes not in Triumph). Les scènes macabres sont le reflet de son enfance difficile (père abusif). A l'occasion de la remise du prix Turner , Grayson (alors bi-sexuel) s'était habillé en femme.
Grayson Perry, He Comes Not in Triumph, glazed ceramic , 20 7/8 x 11 3/4 inches (American). www.seavestcollection.org

Hilary HARKNESS, artiste américaine, 1971, université de Californie, vit à NY.

Laurie SIMMONS (aussi vue à la Japan Society) présente une photographie digne d'une publicité de Chantale Thomas. Après avoir réalisé le montage des deux photos et des maquettes, elle fait ressortir la femme aux cheveux courts assise, ou plutot suspendue ?!

Eva Hesse, artiste américaine d'origine allemande, morte trop tôt sans doute. Faisant place au mythe aujourd'hui (et à la flambée des prix de ses oeuvres).

Moteur ! 6 minutes de vidéo, réflexion philosophique sur Pascal et Rousseau. Et présentation de 6 bronzes : Pascal, Rousseau, Anthia Sexguttata, Dread et Cow. Joshua Mosley, est un artiste américain et professeur de philosophie, né en 1974. Cette collection est présentée par Jennifer Blei Stockman, qui vient juste de l'acquérir, et qui ne l'a pas encore suspendu chez elle..

Liste des peintres présentés :

1- Jim Dine (américan, 1935 ),
2- James Rosenquist (américan, 1933)
3- Eva Hesse (américain, 1936 - 1970)
4- Neil Jenney (américain, 1945-)
5- Sol Lewitt (américain, 1928-2007),
6- Andy Warhol ( américan, 1928-1987)
7- Saul Steinberg (américan, 1914-1999)
8- Davide Hockney (british, 1937- )
9- Jean-Michel Basquiat (américain, 1960-1988)
10- Cy Twombly (américan, 1928-)
11- Chuck Close (américain, 1940- )
12- Gerhard Richter (german, 1932-)
13- Jasper Johns (américain, 1930-)
14- Roy Lichtenstein (américain, 1923-1997)
16- Joan Mitchell (américain, 1925-1992)
17- Kent Bellows (américain, 1949-2005)
18- Ed Ruscha (américain, 1937-)
19- Kiki Smith (américain, 1954-)
20- Damien Hirst (British, 1965-)
21- Louise Bourgeois (French/américain, 1991- )
22- Maurizio Cattelan (italian, 1960-)
23- Richard Prince (américain, 1949- )
24- Gavin Turk (British, 1967-)
26- Nicolas Africano (américain, 1948-)
27- Petah Coyne (américain, 1953)
28- Ron Mueck (British/australian, 1958- )
29- Vanessa Beecroft (italian, 1969-)
30- Grayson Perry (British, 1960-)
31- Laurie Simmons (américain, 1949-)
32- E.V. Day (américain, 1967-)
33- Takashi Murakami (Japanese, 1962-)
34- Hilary Harkness (américain, 1971-)
35- Marc Quinn (british, 1964-)
36- Jeff Koons (américain, 1955-)
37- Mahomi Kunikata (japanese, 1979-)
38- Sarah Lucas (British, 1962-)
39- Christian Marclay (américain, 1955-)
40- Joshua Mosley (américain, 1974-)

Making a japan Home !

2007-12-08T08:45:00.000-08:00

Japan Society
333 East 47th street
www.japansociety.org
Crée en 1907, la Japan Society a toujours favorisé les rapports entre américains et japonais. Dans les années 20, elle travailla avec des groupes internationaux, comme le Carnegie Endowment. Elle ferma ses portes en 1941, puis réouvrit en 1952 grâce à l'appui du Président John D. Rockfeller 3rd et du directeur exécutif Douglas Overton. Elle propose aujourd'hui un grand auditorium, une bibliothèque, une galerie... une ouverture sur la culture japonaise. Et fete ses 100 ans.

Making a home
Through January 13th
Eric Shiner, curator indépendant spécialisé dans l'art contemporain japonais, propose d'exposer une série de 33 artistes japonais vivant à NY, avec un sujet commun : Making a home. Peintre, photographe, sculpteur, réalisateur... toutes disciplines artistiques confondues se sont prêtés au jeu. En voici un échantillon... Première mission : écrire correctement le nom des artistes. Deuxième : décoder les cultures. En bref, on retient surtout les images. Let's try.

Yoko Ono (1937) : pas besoin de présenter la grande dame.
Après avoir reçu l'award de la prestigieuse International Association of Art Critics USA en 2001 pour la meilleure exposition de musée organisée à NY, puis une récompense à la Japan Society en 2005, elle propose aujourd'hui trois oeuvres dans le hall du bâtiment. Le premier est un immense tableau baptisé : My mummy is beautiful sur lequel les visiteurs proposent leurs commentaires à l'aide d'un feutre. Le 2ème est un Wish Tree (1996) sur lequel sont suspendus des petits cartons (voeux écrits par les visiteurs). Le 3ème est un Hole to see the sky through dans une petite carte beige. Yoko Ono est une artiste conceptuelle.

Yoshiaki Kaihatsu : (Happo-En in NY) est une tea house en polystyrène, avec des lumières fluorescentes, du bois en contre-plaqué, et une toute petite télé ! Elle ressemble étrangement au style de Louise Nevelson (couleur blanche, éléments de récupération). L'artiste, âgé d'une quarantaine d'années et très connu dans le milieu artistique, a le soucis des matériaux recyclés... Installation view of Making a Home: Japanese Contemporary Artists in New York at Japan Society. Foreground: Yoshiaki Kaihatsu .“Happo-En in NY 2007,” (2007) ; Background: United Bamboo. “Spring/Summer 2008.” United Bamboo Collection (2007). Photo: Richard P. Goodbody

Nobuho Nagasawa est préocuppé par la "private memory of past and present". Le sable de son sablier ne peut s'écouler, il est tout simplement bouché au milieu. Quant à la chaise à bascule en fer, elle change de couleur en fonction de la musique proposée. Nobuho Nagasawa
Bodywaves, 2007

L'atmosphère de Momoyo Torimitsu paraît très commune. Il a décoré un hall de réception de bureaux à l'européenne. Plafonds bas, murs de dalles en linoléum, comptoir de réception, et vidéo d'un cadre exténué par ses interminables heures de travail, un "salary man" japonais ou "Miyata-san". Pearl Albino at desk posing forMomoyo's installation in "Making a home". Note faux tiles and super expensive corporate desk.
http://aronnamenwirth.blogspot.com/2007/10/momoyo-torimitsu-at-japan-society.html

Noriko Shinohara (née en 1953 et a déménagé en 1972 à NY). Elle expose ses boîtes de bouteilles de vin en carton surprenantes. Les 2 faces sont différentes. D'un côté, une décoration artistique, de l'autre, des extraits de sa vie privée sous forme de bande dessinée, éxécutés à la peinture, avec un héro : Cutie. Ils résument un moment difficile de sa vie, où elle achetait des boîtes de vin à l'aéroport de Buenos Aires pour rejoindre son conjoint alcoolique. http://now.g-now.com/images/N.S-SNAP.jpg
Cutie's 3 Wine-Bottle Box, oil on corrugated cardboard, 10 x 3 1/2 x 14 inc, collection of the artist.

Image du refuge d'Emiko Kasahara (1963), réqlisé tout en bas de nylon. Pénétrer à l'intérieur et entendre les voix personnes au milieu de tous ces seins et tous ces sons... parait engoissant. Au fait, est-ce un homme ou une femme ? Réponse : Une femme très provocatrice. Pas d'image de la maison de sheer pour le moment, désolée.
Sheer, 2007, Nylon stocking on polyethylene, wood, recorded voices, 84x14 1/2 x 47 1/2 in, collection of the artist

Entrez dans l'univers de Yumi Kori (1960) et laissez-vous aller...
Shinkai, Ice cultural Fondation, NY, nov-dec 2006, installation by Yumi Kori, sound by Bernhard Gal
Et maintenant dans la chambre rose de Mgumi Akiyoshi (1972)...
Flower gallery, 1999. Frames, acrylic paint, plywood, card board, transparent sheet.

Ou bien dans le studio reconstitué par l'artiste en grandeur nature par Saturu Eguchi
Studio, 2007, Cardboard, paper, paper clay, wood, paint, glue, acetate, 9feet 5 in. x 11 ft 3 1/2 in x 19 ft 5 1/2 in. collection of the artist. http://aronnamenwirth.blogspot.com/2007/10/momoyo-torimitsu-at-japan-society.html

Norito Ambe (1967) est une artiste connue puisqu'elle a déjà exposé au Whitney Museum (et détient de nombreux prix "flat Globe"). Tout le monde aime le papier, et la manière dont il le traite.
Sculpaper 1, 2006 (detail), 2006, Cuts on Housho-shi paper, pedestal, 16 x 48 x 72 inches, 40.6 x 121.9 x 182.9 cm

Mayumi Terada (1958) a exposé pour la première fois à NY au mois d'avril 2007 (6 ans après son arrivée à NY). Elle photographie à l'intérieur de toutes petites boites à poupées, et simule des scènes et des éclairages magnifiques. Quelle minutie !
SOFA 010901, 2001, Robert Miller Gallery.

Belle exposition à la Japan Society (qui n'a rien de japonisant, à part ses toilettes chauffantes), et ses artistes jeunes, qui montrent un bon échantillon de l'art contemporain japonais, (= qui nécessite un petit travail de décodage, Merci Susan !).

Rencontre avec Jean-Michel Berts de jour et en couleurs !

2007-12-05T06:01:00.000-08:00

Light of New-York
Du 6 décembre 2007 au 6 février 2008
Galerie Sous-les-Etoiles
560 Broadway #205
New-York, NY 10012
souslesetoilesgallery.net

Jean-Michel Berts expose pour la première fois " Light of New York" à partir du 6 décembre.
Times Square en noir et blanc, l’Empire State dans la brume, le Flat Iron désert. New-York semble devenue une ville fantôme. Jean-Michel Berts prend les photos au petit matin. L’éclairage et les contrastes en noir et blanc sont saisissants, la ville est nostalgique et surnaturelle. Le secret de Jean-Michel Berts ? L’utilisation de la vieille méthode de « zone system » d’Ansel Adams. Un temps d’exposition très long (9 secondes à 10 minutes), une surexposition des négatifs, une chambre Norma et un film Kodak qui n’est plus commercialisé. La prise de vue est unique.

Le photographe est amoureux des villes, il cherche à faire ressortir leur diversité culturelle. A Paris, Londres, Berlin ou à New-York, le spectateur redécouvre certains quartiers, et ne reste pas insensible à la photographie prise à hauteur d’œil.

Jean-Michel Berts a réalisé de nombreuses expositions, dont la dernière à la Bibliothèque historique de la Ville de Paris en septembre et octobre 2007. Démarche artistique et citoyenne, l’artiste met en avant l’architecture comme le reflet d’une civilisation. Il a également publié l’intégralité de ses photos sur « la lumière de Paris », puis « la lumière de New York » aux Editions Assouline. Et pour les passionnés de photo, la galerie Sous les Etoiles propose un portfolio en édition limitée dont les tirages ont été réalisés avec des encres au charbon.

Vernissage jeudi 6 décembre à 18 heures en présence de l’artiste.

Le musée du Queens et la maison de Louis Amstrong

2007-11-24T04:34:00.001-08:00

Queens Museum of Art
New York City Building
Flushing Meadows Corona Park
Queens, NY 11368
http://www.queensmuseum.org

1939 West facade, Queens Museum of Art

Le New York City Building qui abrite le musée du Queens, a été construit à l’occasion de la World Fair de 1939. Dessiné par l’architecte Aymer Embury III (élève de Robert Moses, il a également fait le Central Park Zoo et le Tri-borough bridge), le bâtiment immense avait pour thème : « the World of Tomorrow ». Le résultat semble être une ironie de l’histoire, il est de style moderne très classique, avec des colonnes blanches. Actuellement, il fait encore l'object de plans de rénovations et de discussions, et s’appelle : Flushing Meadows Corona Park. Il regroupe le musée, une patinoire, une piste de rollers…

Quelques années avant, l’ONU s'y est installée (et y a pris deux décisions importantes : la création de l’Unicef et la partition de la Palestine). Puis le batiment a été encore le centre de la World Fair de 1964 grace à son extraordinaire panorama : une maquette de 9,335 square feet (14.000 visiteurs par jour) conçue par Robert Moses et réalisée par le cabinet Raymond Lesler Associates (une centaine de personnes ont travaillé dessus pendant 3 ans).
Downtown Manhattan, Queens Museum of Art

Generation 1.5

Generation 1.5 est une exposition de 8 artistes qui ont émigré dans un pays pendant leur enfance, souvent entre 12 et 18 ans. Ni adultes, ni américains, ces personnes se sont intégrées dans leur pays à cause de la langue (vite apprise), de la culture (vite assimilée). Mais la plupart du temps, il leur est difficile d’avoir un regard critique sur leur pays d’origine, comme il est difficile d’en adopter complètement un. Alors ils vivent ces cultures de l’intérieur, acceptent leur exile, et s’en imprègnent pour exprimer leurs qualités artistiques. Ellen Havey est une artiste née en Angleterre qui a déménagé dans le Milwaukee (Wisconsin) quand elle était adolescente. A Whitney for the Withney at Philip Morris/Altria or I Can Be American Visionary Too ! (2003) est une compilation de copies d'oeuvres d'art sélectionnées dans le catalogue du Withney à une échelle très petite. L'artiste y présente tous les peintres, sculpteurs... (ex: Warhol, d'origine polonaise, Mondrian, dutch, Rothko, Hooper... qui ont émigrés aux EU. Ses mini-copies sont très belles, on comprend d'ailleurs pourquoi les copies ont autant de succès que les originaux ! Seher Shah, elle, a réalisé des dessins à l’encre où le travail de perspective est important. Elle utilise des thèmes du Coran (Jehad Pop Progression) dans lequel on ne trouve pas du tout de relief, et combine sa "west technique" avec ses propres "struggles" internes.

Yue Minjun
Derrière les sourires de ses personnages, se cache l’artiste Yue Minjun, né en 1962 en Chine. Alors qu’il reproduit son propre visage à l’infini avec une dentition parfaite, façon « ultra-bright », il n’hésite pas à mélanger les couleurs claires (rose, bleu ciel) et froides, les situations et ses personnages. Tantôt avec plusieurs sortes de chapeaux, tantôt en statues de bronze, gardiens de la tombe de l’Empereur de Chine. Yue Minjun est un artiste d’avant-garde plus particulièrement « cyrinical realist ». Et bien qu’il s’en défende, il n’hésite pas à accentuer le sourire de ses hommes chinois, des « symbolic smiles » pour mieux se moquer du monde. Les personnages mangent l'environnement ! La Chine dévore le monde ! Il va à l'encontre des origines de la peinture chinoise : paysages souvent monochromes. Ses personnages sont reproduits à l'infini, une sorte de "pattern book". On ne voit jamais leurs yeux. Même le militaire n'a pas l'air sérieux, on dirait un personnage de dessin annimé. A noter, Son tableau, Execution, 1995, a remporté un grand succès : 5,9 millions de dollars !
Lady Liberty, Yue Minjun, Queens Museum of Art

Louis Amstrong House
34-56 107^th Street
(718) 478-8274

Tout prés du musée du Queens, se trouve la maison de Louis Amstrong, le célèbre chanteur de jazz américain. Ouverte au public depuis 2003, elle est restée à l’identique, c'est-à-dire, après que sa quatrième et dernière femme soit morte. Un musée est en construction en face de la maison. Bien que n’ayant jamais eu d’enfant avec ses quatre femmes, le musicien souhaita vivement la création d’une fondation pour l’éducation musicale des enfants défavorisés. (Ses archives ont été léguées au Queens College de la City Universi
The Louis Armstrong House Museum in Corona, Queensty de NY).

La maison est en briques rouges, étroite, toute en hauteur, aux dimensions européennes. Des portraits de l’artiste et de sa femme Lucille (ancienne danseuse dans un Cotton Club) sont accrochés dans le salon, les rideaux sont fermés, les bibelots encore en place. La cuisine est laquée bleue turquoise comme sa cadillac (frigidaire Subzéro d’époque, un style très moderne), les robinets de la salle de bain sont en or 24k, les papiers peints de la guest room sont psychédéliques, et les dressings de la chambre sont immenses, on trouve encore ses fameux sachets de Swiss Kiss (laxatif suisse) trainer ça et là. Dans le bureau tout en bois de l’artiste figure une caricature réalisée par Tony Benett, des bandes d’enregistrement sonores, des notes personnelles achevées par « SALL » (That’s all).

Surnommé Satchmo en 1932 par Percy Brooks un journaliste, ce nom fait référence à Suchamouth, la forme de sa bouche en forme de sacoche, (qui ressemblait à une embouchure de trompette). Ses nombreux succès (Stardust, Hello Dolly, What a wonderful world…) ainsi qu’un problème labial, l’ont entrainé vers la chanson. Il était en concert environ 300 jours par an. Boulimique de travail et perfectionniste en musique, rien ne lui échappait, excepté sa propre date de naissance. (Il croyait être né le 4 juillet 1900, alors qu’il était né le 4 aout 1901). Né dans un quartier pauvre de la Nouvelle Orléans, il fut abandonné par son père très jeune et placé dans un foyer. Il y apprit à jouer du cornet à pistons grâce à une famille juive d’origine russe qui lui avait prêté de l’argent. C’est la raison pour laquelle, Louis Amstrong, baptisé catholique, gardait sur lui une étoile de David. Malgré de nombreux problèmes de santé, il continua de jouer jusqu'à sa mort, et fut enterré dans le cimetière de Flushing à NY.
Photo : lmny

La visite se termine par la boutique (ancien garage) ou vous rencontrerez surement sa voisine, âgée de plus de 80 ans, qui vous confirmera les côtés chaleureux et généreux du musicien ainsi que la présence d’autres artistes de jazz (comme Ella Fitzgerald) dans le quartier d’Astoria.

Petite leçon d'art de Lesyley Heller

2007-11-17T04:52:00.000-08:00

Lesley Heller Gallery
30 East 92nd street (between 5th & Madison), 3rd floor
www.lesleyheller.com

Nancy Haynes, Pinkney Herbert, Sharon Lawless, Janet Nolan, Barry Ledoux

Bienvenue dans la galerie de Lesley Heller, située dans une charmante townhouse sur la 92ème rue. N'ayez pas peur de monter les 3 étages à pieds (comme à Paris), vous serez récompensé dès le pallier. Expulsion (2005), un grand tableau de Pinkey Herbert suspendu dans le couloir, la visite commence déjà. Jaune, rouge, bleu, les flammes jaillissent, un véritable feu d'artifice.
Expulsion, 2005, 67" x 52", Oil on canvas Tether, 2007, 42" x 77", Oil on canvas

Tether, 2007, 42" x 77", Oil on canvas

Pinkey Herbert est un peintre âgé d'une cinquntaine d'années, il a enseigné dans plusieurs universités : Menphis, Tenessee, Helsinki, Pendland School of Arts. Il dirige le Marshall Arts studio & gallery à Menphis. Cet artiste a gagné de nombreux prix, et a beaucoup voyagé. Sa peinture figurative ne laisse pas insensible. Liberté, énergie, vitalité, mouvement, et aussi sensualité caractérisent les tableaux accrochés dans la première salle. Subtile mélange de pastels et de peinture à l'huile, les couleurs sont vives, le style abstrait et pourtant attachant.
Pinkey Herbert peint avec ses doigts, avec son corps, l'émotion est intense, on se sent happé par la force du trait, et les contrastes : "this is powerful". Pinkey Herbert dit qu'il "loose herself" quand il peint, un peu comme Asher Durand !
N'oubliez pas de demander de voir les pastels de fleurs, conservés dans un carton de la galerie, ils sont magnifiques : hyper-réalisme, naturalisme, précision du trait, aspect velours, couleurs chaudes, sensuelles, et sexuelles.

Flower Series I, 2007, 41.5" x 29.5", Pastel on paper

Nancy Haynes
Edge Condition, 2006, 60" X 84", Oil on linen
Née en 1947 dans le Connecticut, Nancy vit à Brooklyn, elle est une artiste connue. On trouve ses tableaux dans les musées new-yorkais (Withney, Moma, Met)... Le prix est forcément différent des quatre autres artistes. En choisissant ces tableaux, elle montre qu'il est possible de mettre en avant le style minimaliste abstrait. Elle joue avec les pigments des couleurs primaires, construit et déconstruit ses toiles, créant ainsi des sensations d'illusion, de joie, de lumière. En introduisant des couleurs phosporescentes, elle crée des contrastes intéressants. Selon elle, "le pigment est lumineux". Mais pourquoi donc le fait-elle à l'intérieur de "frames", serait-ce pour transposer une éducation issue d'une famille militaire ?

Sharon Lawless
Sharon Lawless connecte des images (photographies, dessins techniques ou diagrammes) les uns aux autres. Elle montre qu'elle exerce un controle total sur ces morceaux de papiers. Le résultat est surprenant. Le collage ressemble un peu à lagrande toile du web, une sorte google qui cherche à établir des liens alors qu'ils n'en ont pas.

Shark Lizard Rabbit, 2007 49.5" x 115" overall 3 sections 49.5" x 37" each Collage on paper

Janet Nolan
Cancan Installation, 2006, 9 x 21.5 x 2 feet, Mixed media assemblage
Cette artiste américaine collectionne les bouchons et les couvercles de boîtes qu'elle transforme en sculptures. A vrai dire, transformer les objets de tous les jours (parapluies, gants, poignée de bouteilles) en art est le défi que Janet Nolan s'est posé il y a bien longtemps déjà. La plupart du temps, elle n'a pas d'idée précise de ce qu'elle va fabriquer. A la fois intuitive et systématique, elle emploie la symétrie et la répétition pour faire référence à la nature, tout simplement. Transformer les objets usagers ordinaires en art, parler de la culture américaine à travers les choses qu'on achète, n'est-ce pas du pop art contemporain, bref un clin d'oeil à Andy Warrhol ?

Barry Ledoux
9 Conceits, 2007, 20" x 13", Bead blasted stainless steel and copper
Barry Ledoux est un sculpteur discret et poète. Tout comme Nancy Haynes, il aime travailler avec les pigments, mais ici : bruts ! Alors attention à ne passer trop près de la sculpture, vous risqueriez de garder quelques traces de poudre rouge. Pour lui, l'art devient sujet lorsqu'il est abstrait. Et dans ses formes étranges en cuivre encadrées dans des blocs de graphite, il crée une sorte des sons indiens "Ma, Pa, Da"... Tout un poème !

Fin de la visite, et fin de la "leçon" d'art contemporain. L'accrochage et la muséographie sont parfaites. Le spectateur repart le coeur légé, (comme au musée), avec le sentiment d'avoir appris quelque chose, et surtout la possiblité de pouvoir acquérir un morceau de ses rêves. Pour les autres, Leslie leur offre une vidéo surlaquelle elle laisse la parole aux artistes. Laissez-vous guider : http://www.lesleyheller.com/
Imaginez si, à l'époque, Jean Clair avait fait la même chose !

Petite leçon d'histoire de l'art

2007-11-13T19:37:00.000-08:00

National Academy Museum & School of Art
1083 Fith Avenue at 89 Street
NY 10128
http://www.nationalacademy.org/

Fondée en 1825 sous le nom de National Academy of Design, La National Academy regroupe trois entités : le musée, l’école d’art et les académiciens. Son objectif est : « promote the fine arts in America through insctruction and exhibition ». Ses fondateurs : Asher B. Durand, Samuel F. B. Morse, Thomas Cole.

Située sur la 5ème Avenue, le bâtiment est une superbe manshion léguée par Archer Milton Huntington (1870-1955), marié à Anna Hyatt Hutington, sculpteur (1876-1973). Un bâtiment refait plusieurs fois, les tapisseries pourraient être d'époque tant elles paraissent à l'image de l'institution : ancienne et poussiéreuse.
Les Académiciens de la National Academy sont des peintres, sculpteurs, architectes souvent très connus, du 19ème siècle à nos jours. Ils ont été élus par leurs pairs (ex : Albert Bierstadt, Frederic E. Church, Thomas Eakins, Wislow Homer, John Singer Sargent, Chuck Close, Fran Gehry, Jasper Johns, I. M. Pei, Robert Rauschenberg, Louise Bourgeois, Wayne Thiebaud, Andrew Wyeth…
Le musée abrite une collection de 7.000 œuvres, de la Hudson River School à l’abstractionnisme abstrait, souvent des dons d'académiciens. Jusqu’en 1994, chaque artiste remettait un autoportrait… Au 2ème étage, on en trouve deux de William Chase (voir Bruce Museum, mars 2007), celui de Monet peint par Sargent en France est surprenant !

Asher B. Durand (1796-1886), Dean of American Landscape

Asher Brown Durand,
The Morning of Life, 1840
oil on canvas, 49 5/8 x 84 1/8 in.
National Academy Museum, New York
Gift of Mrs. Frederick J. Betts, 1911
(388-P)

L’exposition retrace le talent et l’influence d’Asher Durand sur l’Hudson River School. A l’origine apprenti graveur, il suivit les conseils de son patron, Luman Reed, et se mit à peindre… tout d’abord des portraits. Puis, fortement influencé par Thomas Cole, il se lança dans les paysages. Morning of Life and Evening of Life (both 1840), deux tableaux illustrent d'un coté la campagne à la lumière du jour, de l'autre un paysage à la tombée de la nuit. Les deux tableaux sont de grands formats, avec des personnages qui « racontent une histoire ». Un engouement pour la nature, un état second du peintre, qui, selon la Docent, se disait plus près de Dieu en peignant. Une partie de l’exposition met l’accent sur les qualités de graveur, montre le travail extraordinaire de gravure de l’artiste à partir de toiles existantes, dans des formats de grandes tailles, ainsi que son influence à travers son écriture, son enseignement.

Asher B. Durand, after John Vanderlyn (1775–1852)
Ariadne, 1835
Engraving, 26 1/2 x 34 5/8 inches
National Academy Museum, Gift of Mary Danforth Dodge and Elizabeth Dodge in memory of their grandfather, M. I. Danforth (1986.196)

Durand dirigea la National Academy et la mena vers la professionnalisation durant les années 1840-1850. Il transforma l’Academy en centre d’appréciation, conseil et étude de l’art américain. La publication de ses séries sur les “Letters on Landscape Painting” dans le journal d’art The Crayon en 1855 renforça la réputation de Durand comme Doyen de l’école de la Hudson River après la mort de Thomas Cole en 1848. Il aida à la création de la National Academy, et fut son Président de 1845 à 1961. De nombreux artistes furent influencés par ses tableaux, et inversement : Albert Bierstadt, Rembrant Peal, Thomas Hotchkiss James Smillie, Thomas Hill…

Thomas Hill (1829–1908) Yosemite Valley, 1890 Oil on canvas, 55 x 38 inches Gift of Zenas Crane, Collection of Berkshire Museum, Pittsfield, Massachusetts

Enfin, au rez-de-chaussée, une exposition restrospective sur l'abstractionnisme de ces 50 dernières années (la collection de National Academy) : Esteban Vicente, Robert Blackbum, Richard Haas, Dorothea Rockbume, Robert Motherwell...

Stephen Greene
Night, 1982
Oil on canvas
30 1/8 x 30 1/8 inches
National Academy Museum, New York
(1983.8)

Les tendances du Studio Museum Harlem

2007-10-22T08:31:00.000-07:00

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The Studio Museum in Harlem
144 West 125th street, NY
http://www.studiomuseum.org/

Le Studio Museum de Harlem est devenu un passage incontourmable de l'art africain-américain. Depuis son ouverture en 1968 (dans un loft sur la 5ème avenue et 125th street), jusqu'à aujourd'hui (dans des locaux différents rénovés) mais toujours dans la fameuse 125th street, le SHM accueille des artistes connus, et propulse des jeunes artistes en résidence.
Citons par exemple : David Hammons (The Tilton Gallery), Wangehi Mutu (Chelsea + Moma), Kehinde Willey (Brooklyn museum) : voir podartgallery, february 2006.

Davide ADJAYE, jusqu'au 28 octobre 2007
Making Public Buildings

David ADJAYE (né en Tanzanie, est arrivé en Angleterre a 10 ans et a fait des études d'architecture au Royal College of Art, (1993). Pour sa première exposition en solo à NY, le Studio museum présente de manière très didactique une dizaine de maquettes de ses réalisations (batiments privés et publics en Angleterre, le Centre pour le Prix Nobel à Oslo, la future carriage house in NY!). Le tout délicatement posé sur des sortes de tables basses, avec des échantillons de matériaux utilisés pour la construction des batiments. Il est vrai que David Adjaye est une personnalité reconnue en Angleterre, mais peu connue aux Etats-Unis. A 40 ans, il a su imposer un style très diversifié aux formes géométriques prononcées, matériaux divers (bois, alluminium...). Il joue avec les lumiéres comme avec les couleurs, on sent l'inspiration de l'Afrique de l'Ouest. Sa sensibilité et sa vision artistiques l'ont fait travailler avec des artistes connus, comme Olafur Eliasson par exemple. Au mur, trois écrans vidéo illustrent l'artiste : 1- Son inspiration (paysages exotiques, Inde, Chine, couleurs chaudes), 2- ses réalisations architecturales, 3- les capitales d'Afrique. La bande son est l'oeuvre de son frère !
Adjaye/Associates Venice Art Biennale 2005, Courtesy Adjaye Associates

Midnight's daydream
Titus Kaphar, Wardell Milan II, Demitrius Oliver Trois artistes qui vivent et travaillent à New-York

Titus Kaphar a un nom qui se retient facilement. Né en 1976 dans le Michigan, il se passionne pour la peinture historique et plus précisement le portrait. Il compose des dyptiques, découpe un personnage sur la toile, et le colle sur l'autre pour créer une sorte de dialogue entre les deux toiles. le style ressemble un peu à celui de Kehinde Willey. Conversation Between Paintings #1: Decending From a Cross to be Nourished at the Breast of Our Mother, 2006-2007

Wardell Milan II Né dans le Ténéssee en 1977, cet artiste refuse la notion de temporalité. Sa vision du futur est avant tout celle du présent, et la construction de celles du passé. Dans ses collages à 3 dimensions, il tente de faire une compression du temps, et supperpose les scènes de vies personnelles. Il se cache à l'intérieur de ses tableaux (comme Hitchcock). Il mélange sacré et profane, traditionnel et kitch. La série sur les boxeurs ressemble un peu au style de David Hammons. (Il est passé par l'université de Yale). Wardell Milan II, My mother's flower's grow tall, They grow as tall as she wants, 2006

Demitrius Oliver
Dimitrius Oliver, Almanach, 2006-07

Oliver est un artiste qui vient de Brooklyn. Du même âge que les deux autres, il surprend à plusieurs titres. D'abord il présente 44 photographies rondes parfaitement alignées horizontalement : des images déformées, une sorte de miroir. On s'approche, on est intrigué. En fait, ce sont des photos prises dans le reflet d'une théière ! Et s'y on essayait de faire pareil ? Ensuite et sur un autre mur, sont accrochées des sortes cartes d'astronomie, avec au centre (évidemment en forme de rond) de la fourrure : un vrai ready-made signé Marcel Duchamp !

Demetrus Oliver, Lepus, 2007

Les poupées de Pat Kurs

2007-10-11T18:51:00.000-07:00

Amy One, © Pat Kurs

Pat Kurs

Dollface

October 2007 - November 9, 2007

Sous les Etoiles

560 Broadway #205, NY

Pour sa première exposition en solo a NY, Pat Kurs dévoile sa "passion du beau" : beauté des fleurs, de la mode, de l'art, de la dance dans un univers ultra féminin. Alors styliste, elle a travaillé avec les plus grands photographes : Richard Avedon, Helmut Newton, Patrick Demarchelier, Bill king et Bert Stern.

Elle passe du statut d'inspiratrice à celui de muse.
Elle s'intéresse à la photographie, devient pionnière du fameux SX-70 polaroid, et commence une série de photographies autour du monde des poupées. Atmosphère érotique (ciseaux art-deco, peignes), les poupées de Pat ont un caractère surnaturel. Pari réussi pour cette muse d'Helmut Newton et Bert Stern, qui inverse le processus créatif et se transforme en artiste à part entière.

Ce soir, à Soho.

Blue moon, © Pat Kurs

Rencontre avec Pat Kurs à Soho

2007-10-04T10:05:00.001-07:00

Le charme de Pat Kurs
Le sourire aux lèvres, l’artiste accueille ses invités dans la galerie Sous les Etoiles à Soho.
« Après avoir réalisé les photos pour un magazine, je prenais moi-même mes propres idées en photo », dit-elle dans un français plus que correct. Pat est une vraie francophile. Elle a séjourné de nombreuses fois en France pour son métier et avoue à voix basse être très sensible au charme des french lovers. Elle aime également l’hôtel Normandy à Deauville ou celui du Cap d’Antibes où elle n’hésite pas à réaliser quelques shooting de ses poupées de chiffon dans des chambres d’hôtels. Certaines poupées ont été achetées dans les marchés aux puces à Paris !

Le polaroïd : un vintage

Qui se souvient du bruit caractéristique de la photo qui sort de l’appareil instantané et de la fameuse languette noire du film Polacolor à tirer ? L’instant est magique. Il en résulte une photographie argentique sans passer par des opérations de développement de film et de tirage sur papier…Très tôt, Pat obtient une bourse de Polaroid.
La photo « Blue Moon » (cf plus haut) a été publiée en 1978 par Ralph Gibson dans un ouvrage consacré au film polaroid SX-70. Présenté dans la vitrine au fond de la galerie, il montre une sorte de compilation de polaroids d’artistes connus tels Andy Warhol, Stephen Shore, André Kertesz. (Editions Lustrum press, cf ci-dessous)

Et si le polaroid surfait sur la vague vintage ? Une autre galerie à Chelsea (Silverstein) mettra elle aussi en avant les polaroids de Kertesz dans une exposition à partir du 20 octobre prochain… A suivre.
La galerie Sous les Etoiles était en fête jeudi dernier grâce à la présence d’un autre grand photographe de mode : Bern Stern... EN VRAI !!!!

Retour sur un draft écrit l'année dernière, jamais publié :

Marylin : la dernière séance Bern Stern En 1962, Bern Stern propose au magazine Vogue un reportage photographique sur Marilyn Monroe. Elle accepte de poser nue, parfois sans maquillage. Les photos, parfois d’un très grand format, sont disposées tout autour de la salle d'exposition, en rectangle. Certaines en couleur, d'autres en noir et blanc. On ne peut qu' être troublé par le regard de la star, un peu éteint, un mythe rendu humain, des ridules au coin des yeux, une cicatrice très visible d'une récente opération, des tâches sur les mains, un vernis parfois écaillé malgré des dents toujours parfaites. Marylin fixe l'objectif, un verre de champagne à la main, un voile de soie serré entre les dents. Quelques photos prises de plein pied de la star vêtue d'une longue robe font un pied de nez à Audrey Hepburn et à Jackie Kennedy. Les visiteurs sont saisis par le réalisme grandeur nature, l'espace est intime tout comme cette chambre de l'hôtel Bel Air où les rencontres se sont déroulées. Au petit matin, la star, à bout de force s'endort, au grand dam du photographe amoureux, et du public qui en demande encore en silence. Elle mourra avant la sortie du reportage dans Vogue. Bern Stern ne retouchera jamais ces photos. A l'extérieur, la file d'attente est plus raisonnable que la canicule en ce samedi 5 juillet ; au cas où l'envie vous prendrait de partager ce voyeurisme estival. La photo est à la mode, cela lui réussit bien ici.

Musée Maillol, 61 rue de Grenelle, Paris 7ème.

ps: Photos de la collection Michaela et Léon Constantiner
© Bert Stern

making of a Bert Stern Documentary, Photos by Pat Kurs
http://www.youtube.com/watch?v=lxuKSTCU_qA

USONIA : une expérience inoubliable !

2007-06-15T18:42:00.000-07:00

Frank Lloyd Wright and Usonia

An experiment in livin

May 5 - June 24, 2004

The Studio

2 Maryland Avenue

Armonk NY

Le studio est une organization not-for-profit dédié à l'art contemporain. Johanna Cooper, sa curator, pense que sa vie à Usonia a profondément influencé sa vie. Elle présente ici une expérience inédite appellée Usonia. Alors qu'à la même époque, la France voyait naître ses drôles de "castors" (communauté de personnes réunies pour construire leur maison), à 45 miles de NY, un groupe de personnes idéalistes, décidaient de faire construire leur maison pour seulement $ 20.000, avec des matériaux organiques, locaux, une architecture "bio".

70 ans sont passées. La visite est stuéfiante, tant à l'intérieur qu'à l'extérieur des maisons. Les ronds tracés sur le plan de Frank Lloyd ont disparu (impossible de calculer le prix du morgage si la forme n'est pas carrée, disaient les banquiers). Mais les maisons ont gardé leurs formes atypiques et géométriques (ronds, triangles, carrés, losanges jusque dans les carreaux sur le sol !)

Tous les architectes ont conçu des maisons originales. Plafonds bas, baies vitrées avec des coins favorisant un angle de vue à 180 degrés, mobiliers intégrés dans les murs des maisons, maisons de plein pied, parfois tendances japonisantes, ou nids d'aigle perchés à la hauteur des arbres, on ne cesse de s'émerveiller à chaque coup d'oeil.

Le maître des lieux est Roland Reisley, auteur d'un ouvrage qui raconte cette aventure, jadis secrétaire, puis directeur de facto de cette communauté. Il fut lui-même client de Frank Lloyd Wright, et présente sa demeure en détail, suivez le guide !

Marina Kohl : Within the sole

2007-06-12T20:01:00.000-07:00

Within the Sole
Walking in the shoes of seekers and sages
Marina Kohl
Lesley Heller Gallery
30 East 92nd street

On entre dans la galerie de Lesley comme dans une maison tant l'atmosphère y est chaleureuse et accueillante. Derrière son bureau des new-yorkais sont assis là sur un canapé tandis que d'autres savourent un verre de vin devant une photo de Marina, ou dégustent un morceau de fromage... Après ans 10 dans une non-profit gallery à Chelsea, Lesley Heller montre des artistes "mid-carreer", dans l'Upper East Side, ou parait-il, l'art contemporain trouve sa place, entre le Withney et le Carlyle. (http://www.lesleyheller.com/)
Marina Kohl salue tous les visiteurs les uns après les autres. Elle penche la tête pour mieux entendre, ouvre de grands yeux, Marina Kohl sait avant tout écouter les autres. Et dans cette exposition de photos, elle a entrepris un travail de recherche anthropologique. Qu'on soit chrétien, juif, Boudiste ou Hindou, on se reconnait tant les images n'ont pas été choisies au hasard.

Ce photographe humaniste a longuement discuté avec ses personnages. Elle a exploré le monde spirituel des traditions et décrit leurs chemins personnels. Aucun voyeurisme, juste une image réaliste et esthétique du sacré dans ces différentes communautés. Les cérémonies sont solennelles, les personnages parfois graves et sérieux. "Mais pourquoi est-on sérieux quand on prie ?" se demandait Marina lorsqu'elle était petite.
Le prétexte de la semelle est original, il aurait pu faire l'objet d'une thèse universitaire. Le poème d'Helaine H. décrit parfaitement le personnage. Marina respire la féminité, la grâce, la générosité, l'humanité.
Dans cette exposition, cette ancienne élève de l'ICP préfère les tons sépia, bruns plutot que les couleurs, donnant une dimension d'éternité à ses personnages. De l'observation et du sens du détail, à celui de photographe ou d'écrivain, Marina Kohl nous renvoit face à notre diversité et notre richesse culturelle, le tout avec un grand M (sa signature sur sa plaquette).
A voir avant samedi 16 juin ! Ou bien sur son site sur fond jazzy ! (http://www.marinakohl.com/) ps : biograpahie inconnue...
Photos de Marina Khol

Williamsburg : les artistes émergents à Brooklyn

2007-06-11T18:45:00.000-07:00

Willliamsburg : les artistes émergents à Brooklyn

Le quartier de Williamsburg a vu naitre ses premières galeries et artistes à la fin des années 70, début 80 ! Les bio des artistes des galeries connues l'attestent. L'idée était avant tout de défier les règles des galeries traditionnelles (espaces collectfs), et dans cet esprit, certains artistes ont su créer un type de dialogue avec le public, et vivre une première expérience très intéressante. La première galerie "commerciale" de ce quatier de Brooklyn s'appelle Test Site, elle a été crée par Annie Heron, en 1991. Puis la célèbre galerie Pierogi 2000, crée en 1994, et le Non-for-profit Monumenta Art en 1995...

L'ouverture de la ligne L a joué un role vital, pour le développement du quartier et des artistes. Tandis que naissent de nombreuses galeries, les limites géographiques du quartier s'élargissent. Pour arriver tout simplement à "East Williamsburg-Bushwick", l'endroit "in", la fameuse Morgane Avenue, ou se trouve "3rd Ward", par exemple, (un studio qui aide les jeunes artistes à exposer).

The occidental artist
April 20 - July 2, 2007
Nurture Art
910 Grand avenue
Cet espace aux murs de béton présente un programme très original : une synergie entre des artistes émergents et un curator ! Du jamais vu ! Coté artiste, on vient présenter ses oeuvre pour se faire référencer dans ses grands classeurs blancs de cet espace non-profit. Coté Curator, on profite de ce vivier pour mener un projet. L'alchimie marche à merveille. Ici, la curator Heather-Marie Davis a choisi le thème des artistes occidentaux qui ont des racines ou des cultures ancestrales, primitives... A gauche, un nom dejà rencontré : Tamar Hirschl (aquarium), au sol, des cuilleres en bois de Franky Laude, en face, des monoprints en blanc et à l'encre d'Aileen Bassis. Les prix sont abordables, pas la température, à éviter les jours de grande chaleur ! http://www.nurtureart.org/
Moment2004, Photocopy transferprints, ink, wireAbout 22" x 19"

Eyewash
Peter Fox et Jeanne Tremel
The Hogar Collection
362 Grand street
Coup de foudre pour les tableaux colorés de Peter Fox (né en 1962, vit à Brooklyn). A la fois décoratifs et créatifs, l'acheteur ne prendra aucun risque, sans doute. Prix moyen : $10.000. Seuls les objets en crochet de Jeanne Tremel sont intéressants, mais chers : $ 800. La galerie a été crée en 2003 par deux artistes : Todd Rosenbaum et Cecilia Biagini (new art).
ANTONYMOUS detail 2006

Selection Box
May 25 - June 25, 2007

Pokersbox193

Grand street

Accueil très chaleureux d'Hélianthe, directrice associée et de Céline, toutes deux francaises dans cette galerie qui présente des artistes américain et internationaux. Ils ont tous un esprit très novateur. Beatriz Barral (1968, Espagne) réalise des formes psychédéliques en résine de plusieurs couleurs. Patrick Martinez, 1969, Besancon) vit à NY. Il travaille sur la perception, et la résistance des matériaux. Joshua Stern, américain, (1957, vit à NY), utilise la sculpture pour ses photos hunoristiques.
Twins, electric yellow, 2004, resin, wood

Bruno Peinado, (1970, vit en France) a participé à de nombreuses biennales, s'est fait connaitre avec le bibendum Michelin noir. La sculpture présentée ici est abstaite : un rectangle noir collé sur le mur et abimé en bas ($25.000), l'autre ci-dessous, mèle les symboles américains.

Radicale Buissonnance, exhibition view, FRAC des Pays de la Loire, Carquefou, France, 2007

Air Jordan Crown Mercedes Magic Tree Dreamcatcher, 2005, high pressure water jet cut aluminum, 91 x 45 x 1/3 inches (234 x 115 x 1 cm)

Dans les réserves de la galerie, se cachent les tableaux de Joyce Pensato, une artiste déjà exposée au MomA,
on comprend pourquoi !

Donald Rising, 2006, enamel on linen, 90 x 72 inches (228.6 x 182.8cm)

La vie en noir et blanc de Louise Nevelson

2007-05-27T18:27:00.001-07:00

The sculpture of Louise Nevelson : Constructing a legend

May 5 - September 16

Jewish Museum

1109 Fifth Avenue (northeast corner of 92nd Street)

New York,NY 10128

Louise Nevelson est une femme artiste plus connue pour son coté "expressionniste abstrait". Cette rétrospective rassemble 66 oeuvres, une première !

D'origine juive, Leah Berliawsky est née en 1899 à Kiev en Ukraine. Son père, marchant de bois, est expatrié aux Etats-Unis en 1905. Dès l'age de 10 ans, elle rêve de faire de la sculpture (et d'aller vivre à NY). En 1918, elle rencontre son futur mari, Charles Nevelson, un armateur, vient vivre à NY, se marie en 1920, et a un fils (futur sculpteur).

(photo de Diana MacKown, chez elle à NY, en 1979)

En 1929, elle est admise à la Art Students League of New York (voir articles plus bas : Meritt, Betty K...). Elle divorce en 1931, ne demande aucune pension, et se lance passionnément dans l'art (et accessoirement dans la danse classique). Elle décide alors de voyager en Europe, oû Elle rencontre Hans Hofmann à Berlin en 1932. Elle fabrique des sculptures en bois, en bronze, en craie, en plastique. Des mobiles aussi, exemple : Terra Cotta (on peut bouger les pièces), ils qui ressemblent aux sculptures de David Smith.

De retour aux Etats-Unis en 1937, elle assiste Diego Rivera pour peindre son mur, et enseigne au New Workers School de NY (notamment sur le programme du New Deal, impulsé par Franklin Roosevelt). Puis elle rejette le fer car il lui fait penser au bateau sur lequel s'est engagé son fils comme marin, et revient à ses origines : le bois. Alors qu'elle n'a pas toujours les moyens de pratiquer son art, elle fait de la récupération de matériaux, se sert dans les rues, sur les trottoirs (pieds de lits, barreaux de chaises...). Elle réalise quelques pièces toutes noires, et expose pour la première fois en 1955 pour la Grand Central Moderns (Martha Jackson Gallery, non profit gallery). "Lorsqu'elle est noire, la sculpture perd son identité".

En 1959, elle expose au milieu des jeunes talents (Jasper Johns, Ellsworth Kelly, Robert Rauschenberg, Frank Stella (23 ans), alors qu'elle en a 60 ! Elle fabrique une sculpture gigantesque pour le MOMA, qui est reconstituée ici (plusieurs morceaux appartiennent à plusieurs propriétaires !) : Down's wekking Feast (1959). Tout est blanc, de haut en bas. La monochromie confère à ses oeuvres une certaine élégance. Elle joue avec les ombres, les éclairages. Elle ajoute et supprime des éléments dans ses boites au gré de son humeur, au désespoir de ses agents. Enfin, elle rejoint la gallerie de Pace en 1964, qui la représente encore aujourd'hui. A cette date, elle crée "Homage to 6.000.000 I" juifs tués pendant la seconde guerre mondiale.

"Dawn's Wedding Chapel IV," from "Dawn's Wedding Feast" (1959-60).
Courtesy of PaceWildenstein

Puis elle construit sa cabane de 1964 à 1977, : "Mrs N's Palace", comme la surnomment les enfants de son voisinage. On a envie d'y rentrer, même si tout est encore noir !

Mrs N's Palace, Met

Alors qu'elle est ateinte d'un cancer, elle réalise "Minor Shadow", un objet original, mais angoissant. Dans la dernière salle, on découvre le son de sa voix ainsi le visage de la grande dame. Le documentaire est commentée par des jeunes artistes. Et soudainement, on prend conscience qu'on a déjà vu ses sculptures monumentales. Par exemple, juste à la sortie du musée, sur Park et la 92ième ! A vous de trouver les autres...

Expériences sonores à l'Aldrich Museum

2007-05-17T18:20:00.000-07:00

The Aldrich Contemporary Art Museum
258 Main Street
Ridgefield, CT 06877

The Aldrich Contemporary Art Museum est des rares endroits sans collection permanente. Il présente des artistes émergents ou en début de carrière à un rythme surprenant : tous les 3 à 4 mois, dans un batiment historique surnommé "Hold Century" (construit en 1783, puis redisigné par l’architecte Charles Mark HAY).

Son fondateur, Larry Adrich est né à Manhattan en 1906, il était designer et collectionneur. Il commenca sa collection par l’achat d’un Renoir et d’un Utrillo au début des années 40 et se prit de passion pour l'art contemporain. Aussi, devant l'ascension rapide de l'art americain, il insista auprès du Moma et du Withney pour acquérir des oeuvres contemporaines dans leurs collections permanentes. Ballade idéale, à 40 minutes de Mamaroneck.

Castles, Dwarfs, and Happychaps : Arturo Herrera
March 11 - September 2, 2007
Les tableaux de Herrera (1959) semblent familiers et étranges. Familiers parce qu'il a fait intervenir un illustrateur pour peindre des fonds insirés par les dessins animés. Etranges les découpages parfaits, les collages, peintures et dessins réalisés par dessus, des sortes de Ready-made.
Sur le mur, il a utilisé une technique issue de la rennaissance : le Pounce (transfert d'un dessin, pas de trait au crayon, uniquement des points comme la sérigraphie). La fresque est impressionnante. Seul le visiteur relie les points avec ses yeux. Preuve que Arturo Herrera, artiste d'origine de Caracas (Vénuzuela) vit dans son temps, entre NY et Berlin. (Il a été exposé à la Biennale du Withney en 2002. A voir.

W(e)ave : Elena Herzog et Michael Schumacher
March 11 - August 12, 2007
Les 2 artistes se sont associés pour la première fois. Michael compose de la digital technology music, Elena fabrique des sculptures avec des objets de la vie courante. Ici : couvre-lit et agraffes (sur le mur, bien évidemment. La vague : 57 voix différentes dans une période de 1,108 secondes, des ondes sinusoidales de coton, l'algorithme est réussi ? Je ne sais pas.

Blow Ups - Spores, Pollen, and Pollutants, Kysa Johnson
March 11 - June 10, 2007
Une nouvelle version du pointillisme par Kysa Johnson (Illinois, 1974), pour ce tableau baptisé Blow up 79. Il est inspiré de celui de Georges Innes, un paysage de la rivière du Delaware. En s'approchant de plus près, l'artiste a grisé ses points comme des sortes de molécules polluantes : propame, méthane, éthane, benzène... tous présents dans le Deleware actuellement ! Une démarche créative qui pourrait bien être reprise par un certain parti politique ! A voir !!!
Pour info, elle a été récompensée par la NYFA (New York Foundation for the Arts). Elle vit à Brooklyn.

Tekrar, David Abir
March 11 - August 12, 2007
Entrez dans la 4ème dimension : une sculpture carrée toute blanche avec une grand entrée : c'est en fait une oreille humaine qui transmet un son de l'intérieur (la 5ème symphonie de Gustave Malheur). Il conjugue la mélancolie avec le modernisme. Expérience intéressante, et photo très originale, on dirait une couverture pour un magazine de mode ! A voir et à vivre !!! (Le détail est sur le site du musée : http://www.aldrichart.org/). David Abir est né à Philadelphie, vit et travaille à NY, c'est un compositeur, sculpteur sonore.

Global feminisms

2007-05-08T10:33:00.000-07:00

Global Feminisms (exposition interdite aux mineurs...)
March 23–July 1, 2007
Elizabeth A. Sackler Center for Feminist Art and Morris A. and Meyer Schapiro Wing,

4th Floor

Brooklyn Museum

La première exposition internationale consacrée à l'art féminin de 1990 à nos jours, 80 femmes artistes du monde entier : scultpures, photos, films, video, installations et performances... De 1990 à nos jours. 4 thèmes largement exploités : Life cycle, Identity, Politics, Motion, souvent à travers la provocation et la violence... on n'en ressort pas indemne !
Inutile de parler de la muséographie (pour la première fois pas terrible, couloirs étroits, grandes surfaces et peu de recul).

Ingrid MWANGI (du Kenya, née en 1975) : deux superbes photos présentant l'Afrique et l'Allemagne sur deux ventres de femmes, travail d'ombres entre le "colonisateur" et le "colonisé". Static Drift, 2001. Two chromogenic prints mounted on aluminum, edition of 5. Heather and Tony Podesta Collection, Falls Church, Virginia. (Photo: Courtesy of Galerie Anne de Villepoix, Paris)

Tracey ROSE (artiste Sud-africaine, 1974), Venus Baartman, 200, Lambda print, 47 x 47” (119.4 x 119.4 cm). Hommage à Sara Baartman, une femme noire Sud Africaine exhibée à travers toute l'Europe à la fin du 19ème siècle comme bête de foire (sans compter les nombreuses expérimentations postmortem en Angleterre et en France). Plus connue sous le nom de "Venus Hottentote" (symbole de luttre contre la mentalité exclavagiste), elle bénéficie aujourd'hui d'une sépulture, une rue à NY porterait son nom.

Ne manquez pas sa vidéo dans la conférence de presse ! http://www.brooklynmuseum.org/exhibitions/global_feminisms/artist_talk.php?artist=tracey_rose

Jenny Saville, Untitled (Study), 2004, Oil on watercolor paper, 59 3/4 x 47 3/4” (152 x 121.5 cm) Private collection, courtesy of Gagosian Gallery, New York

Jenny SAVILLE, anglaise de 37 ans, conuue pour ses grands tableaux de femmes fortes, et apercue à la galerie Gagosian ! La posture du corps de cette femme est masculine, avec deux sexes d'hommes.

Ghada Amer, Checkers, 2006,
Embroidery on canvas, 79 x 66” (200.7 x 167.6 cm)
Courtesy of Ghada Amer and Gagosian Gallery
Ghada AMER, artiste égyptienne, continue dans l'érotisme. Elle tisse sur des toiles des dessins érotiques, et sur des coussins brodés dorés une encyclopédie du plaisir...

ARAHMAIANI, Display Case (Etalase), 1994–2007, Display case with photograph, Buddha icon, the Qur’an,
Coca-Cola bottle, fan, Patkwa mirror, drum, box of sand, and condoms, 37 3/8 x 57 5/8 x 25 3/4” (95 x 146.5 x 65.5 cm). Installation view of the artist’s solo exhibition Sex, Religion, and Coca-Cola at Oncor Studio, Jakarta, 1994, Lent by the artist
ARAHAMAIANI (1961) est une artiste indonésienne qui affronte l'intolérance et les interprétations militantes de l'Islam. Partagée entre un père érudit musulman et une mère de Java, elle critique l'adoration de tous les symboles : dans sa vitrine "Etalase", elle expose un livre du Coran face à une bouteille de coca, un préservatif, etc.

Tania BRUGUERA (Cuban, b. 1968). Statistic (Estadistica), 1996. Textile, human hair of anonymous Cubans, thread, and fabric. Private collection, New York
Le drapeau cubain a été confectionné avec l'aide de la population cubaine (et aussi avec leurs cheveux !), symbole du rôle des femmes durant la guerre d'independance de Cuba (1868-1878).

KARA WALKER

Scene #26, from the Emancipation Approximation series,
2000 Silkscreen print, edition of 20, each 44 x 34” (111.8 x 86.4 cm)
Sikkema Jenkins & Co., New York
Elle enseigne à l'Université Columbia. A déjà exposé au Withney, Moma... Ses thèmes tournent autour de l'identité, des races, de la sexualité, de l'histoire du peuple afro-américain.

Le tour du monde continue plus violent et plus trash, mais pas d'illustrations pour :
Parastou FOROUHAR (d'origine iranienne, née en 1962) : papier paint appelé "1000 et jour": scènes de tortures, de femmes en burqas torturées et tuées.
Sigalit LANDAU, israélienne de 38 ans, faisant du oula hop en fil barbelé pendant 2 interminables minutes....
Ryoko SUZUKI (Japon, née en 1970), qui se lacère le visage ensanglanté,
Pricilla MONGE, 39 ans, du Costa Rica, a bâti une espèce de cellule aux murs, sol et plafond blancs baptisée : "salle d'isolement et d'interdiction" (remplie services hygiéniques)
and so on...

Alors que la féminisme est toujours sur la scène de l'actualité internationale, est-il nécessaire de choquer les consciences pour faire avancer les choses, et par-là même ètre reconnue ? L'art est-il le médium de idéal pour faire passer ce genre de message ?

Photo: © Aislinn Weidele for Polshek Partnership Architects

Plus calme, "The dinner Party" (1974-1979), par Judy Chicago, représentation célèbre de l'art féministe des années 70. Un banquet cérémonial, disposé en triangle avec 39 places assises pour commémorer l'importance des femmes dans l'histoire. (Mix-média : céramique, textile et porcelaine). Le nom de 999 femmes sont inscrits sur le sol en lettres d'or (c'est un pu froid...)
Après avoir voyagé, cette oeuvre gigantesque s'installe définitivement au Brooklyn Museum grâce à la générosité d'Elizabeth A. Sackler Foundation.

Betty K

2007-04-20T08:45:00.000-07:00

The Art Student League of New-York
215 West 57th street
New-York, NY 10019

Les couleurs dansent sur les toiles de Betty K.

Le monde Betty k se dessine sur ses toiles chaleureuses et enflammées comme l'est la personnalité de cet artiste. Des couleurs, des formes généreuses, des regards francs, hyper-réalisme, fauvisme et surréalisme se mêlent joyeusement et surtout librement. Liberté de penser, liberté de raconter, lignes vives, rapides et élancées... Juste du caractère. Et tant de générosité ! La puissance narrative des huiles de Betty K ne peut laisser indifférent. Mais comment diable a-t-elle créé une telle palette ? Enjouée, l'oeil rieur, l'artiste de nationalité française, est une citoyenne du monde. Son ouverture d'esprit et sa curiosité se sont forgés aux grés d'une enfance en Afrique, de multiples voyages autour du monde et finalement d'un ancrage récent à NY. Artiste assidue de la NY Art Students League of NY (crée par un groupe d'artistes en 1875 ), elle vient de recevoir les honneurs du jury (reconnaissance académique pour désigner des artistes les plus prometteurs). Enfin, Betty K compte marquer la scène créative de NY par d'autres initiatives en préparation : elle souhaite rassembler à NY de jeunes artistes français et Américains au sein d'un même atelier sous la houlette de professeurs prestigieux. Cet atelier se tiendra à Manhattan au mois de juillet prochain. Car au delà de la peinture, Betty K a une autre passion : faire émerger les talents et favoriser leur épanouissement !

Yale University Art Gallery

2007-04-04T14:52:00.000-07:00

Yale University Gallery
1111 Chapel Street (at York Street),
New Haven, Connecticut

Polshek Partnership Architects, The Yale University Art Gallery, designed by Louis I. Kahn, photo NYT.

Qui n'a pas un jour rêvé d'aller à l'université de Yale ? Savez-vous dans quelle ville elle est située ? Sortez de Mahnattan, suivez tout simplement la 95 north pendant une heure, un panneau l'indique. Le centre ville de New-Haven est mignon, un air européen. Le batiment historique occupe une grande place dans la ville, la galerie est bien indiquée. On reconnait bien d'ailleurs la facade Ouest, celle montrée dans de nombreux journaux cet hiver lors de sa réouverture le 10 décembre dernier. Non, ce n'est pas le carré d'art de Nimes, bien que le contraste classique (briques, construction néo-gothique du campus) et modernité (boîte carrée, répartition éxacte de 4 fenêtres x 4 étages) juxtaposés rappellent l'architecture de Norman Foster. La rénovation du batiment de Louis Kahn datant de 1953, est une réussite : chaleur, proximité des oeuvres, luminosité, espace et choix des matériaux. Pas facile avec un plafond remplit de triangles en béton !
Rachel Boyd
Staff Reporter

Sol LeWitt1 2 3 4 5 4 3 2 1 Cross Tower1984
Le premier étage a été complètement ouvert et propose une grande d'exposition de sculptures contemporaines (Responding to Kahn : a sculptural conversation, jusqu'qu 8 juillet) et donne sur le jardin, un accueil et un semblant de boutique. La sculpture de Sol Lewitt y occupe une place centrale (le fonds de Carol et Sol Lewitt supporte la galerie parmi d'autres comme Calder, Boltanski, Beuys...). Le deuxième étage offre les collections africaines et asiatiques, elles sont franchement surchargées. La galery détient 185 000 objets ! Direction le 3ème étage, non pas avec l'ascenseur central mais par l'escalier surplombé d'un triangle gigantesque en béton au plafond au centre d'un puits de lumière. C'est une véritable vitrine du Moma : Picasso, Kandinsky, Rothko, Warhol, Lichtenstein, Twonbly, Richter, Reinharht, Pollock, Kelly... Au bout du couloir, la porte ouvre sur l'aile de l'ancien batiment : toiles des impressionnistes (Chase, Hassam, Pissaro, Renoir...) et murs blancs.

Pablo Picasso, Mother and Child (First Steps), 1943Oil on canvas, 51 1/4 x 38 1/4 in. (130.2 x 97.1 cm)Gift of Stephen Carlton Clark, B.A. 19031958.27©2004 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

Mark Rothko, Untitled, 1954Oil on unprimed canvas, 93 x 56 3/16 in. (236.2 x 142.7 cm)The Katharine Ordway Collection1980.12.24©1998 Kate Rothko Prizel & Christopher Rothko / Artists Rights Society (ARS), New York

Enfin, le 4ème étage est consacré à une exposition de gravures à l'eau forte de Jasper Johns : Jasper Johns : From plate to print (jusqu'au 1er avril 2007)

L'artiste se met à la place du professeur et montre son travail artistique d'expérimentation à partir du tableau de Matthias Grünewald (1513-15), (copié/collé du soldat avec sa hache). Alors s'enchainent les essais. Ca commence par l'exposition de plaques de cuivres, des expériences sur 5 éléments de couleur (bleu, jaune, orange, rouge, et key-plate noire), puis des mélanges de couleurs primaires et complémntaires.

Explications techniques pour les plus courageux :

Les espaces encrés se répartissent dans les reliefs de la plaque de cuivre (qui a été recouverte par un vernis résistant à l'acide). Le vernis est enlevé partiellement, la plaque est plongée dans l'acide de façon à creuser les zones dégagées. Le bain est plus ou moins dilué suivant les effets désirés. Le vernis est ensuite retiré et la plaque encrée, l'excès de pigments étant soigneusement retiré, puis appuyée fortement sur une feuille de papier à l'aide d'une presse. Par définition, le résultat final est inversé par rapport à l'image gravée sur la plaque. (Et pour compléter la légende, l'aquatinte est une image creusée sur une plaque de métal à l'aide d'un mordant).

Belle démonstration pour ce peintre américain né en 1930 vivant dans le Connecticut, pas très loin de la galerie de Yale !

Jasper Johns, Untitled, 1999Color intaglio (hard ground etching, softground, and aquatint): Gift of the Artist in honor of Richard S. Field (2000.2.16–.42)2000.2.1–.42Art © Jasper Johns/Licensed by VAGA, New York, NY

William Meritt Chase et Robert Henri dans le Westchester

2007-03-26T06:12:00.000-07:00

Michael Torlen
February 28 - April 4, 2007

Manhattanville College

Brownson gallery

2900 Purchase street, Purchase

La peinture narrative de Michael Torlen combine deux défis : raconter son passé (né d'un père norvégien, pêcheur de thon, de métier, en Californie...) et la technique des arts visuels (la lithographie et l'aquarelle). Excellent exercice pour ce Professeur associé en art visuels au College de Purchase !

Aufinal, cela donne un mélange entre le trait précis (il agrandit les photos familiales de bâteaux et de scènes de pêches), les tableaux en 3 parties (la Cote-Ouest, le Maine, les pêcheurs et la mer), et parfois la répétition (de personnages, de procédes d'impression déclinés dans plusieurs couleurs). Et à la manière d'un cours magistral, il explique la différence entre un monoproint et un monotype. "The layering of these processes serves as a method for memory... " www.michaeltorlen.com

*Love and Theft
The title is a reference to Bob Dylan's album by the same title. The monoprint diptych contrasts a boy pointing at fishermen catching a large tuna, and the figure of Mercury, the Trickster, overshadowing the catch.
Dimensions: 20 x 36"
Monotypes + Monoprints
Series: Sanger Fra Mor, 2005

Pinterly Controversy : William Meritt Chase and Robert Henri

January 27 - April 29

Bruce Museum

Oe Museum Drive, Greenwich, CT

C'est l'histoire de deux grands maîtres de la peinture américaine, liés malgré leur volonté aux besoins de l'exposition. Après un passage en Europe chez les peintres impressionistes, William Merritt Chase et Robert Henri, ont contribué au développement de l'art moderne. Tout commence par l'annonce de la démission de Chase, grand portraitiste et fondateur de la Art School dans un journal new-yorkais. Chase est un professeur attaché au détail, au rafinnement, à la technique, la "Brushwork Chase". Robert Henri, plus jeune que lui (15 ans), a été engagé par Chase. Il est perçu comme le "bad boy of Americain Art". Les paysages, les scènes urbaines, le mouvement, la candeur et la virilité, rendent ses toiles profondément différentes (American Ashcan school). Lorsqu'on s'amuse à comparer les deux styles (jeu du curator), on s'aperçoit que les thèmes sont se ressemblent énormement (ex.: la danceuse espagnole, painte par Henri en 1910, puis par Chase 20 ans plus tard). A la fin, l'élève dépasse le maître au point que leurs élèves, la génération des nouveaux artistes comme Georges Bellows, Stuart Davis, Edward Hopper, Giorgia O'Keeffe et Charles Sheeler, se trouvent divisés par la forte personnalité des deux hommes !

Les expositions du Bruce Museum sont toujours de qualité. Le rapport à l'oeuvre est très intimiste : les salles sont petites (malgré les très grands formats des toiles), et les murs sont peints avec des couleurs chaudes. Le commentaire en français de Catherine (docent française) est très documenté et rend l'histoire passionnante.

www.brucemuseum.org

En face, l'un des rares restaurants sur la mer très connu des français, et qui accueille tard dans l'après-midi. (l'Escale, Greenwich, http://www.lescalerestaurant.com/)

Avez-vous deviné de qui sont les danseuses espagnoles ?
La 1ère : William Merritt Chase, Carmencta, 1890, oil on canvas, 69 7/8x40 7/8in.

La 2nde : Robert Henri, La Madrilenita, 1910, oil on cavas, 73 x 37in.

Hedda Sterne et 23rd street

2007-03-16T14:55:00.000-07:00

Hedda Sterne
Paintings and drawings from over Fifty years
Febuary 2 - March 25, 2007
CDS Gallery
Hommage à une grande dame de l'art... Ca pourrait commencer comme aux Césars... Hedda Sterne est bien vivante ! Dans la galerie CDS, les dessins et peintures des années 50 se reconnaissent au milieu des oeuvres plus récentes. Car ses dernières peintures ont des formes plus larges, plus visibles, pour cet artiste qui a aujourd'hui perdu la vue. Bien qu'influencée par les différents courants : surréalisme, expressionnisme abstrait, art conceptuel... elle soutient que l'art est avant tout un "acte de liberté". Raison pour laquelle elle passe du portrait au collage, du l'encre à l'huile sur toile... Elle mélange les styles comme ses rencontres : Saint-Exupéry, Math Rotko, Jackson Pollock, Willem de Kooning, Ad Reinhardt, Betty Parsons. La liste est longue. A 96 ans, elle regarde sa vie comme un film, et domine comme sur la photo "The Irascibles", non pas parce que personne n'a pense à lui mettre son nom sur la chaise, mais parce qu'elle est avant tout une femme d'exception, aussi femme d'artiste, et Femme Artiste.
Hedda SterneUntitled, 1984

Andrew Sandor
Is there more to life than bread, blood and bicycles ?
Febuary 21 - March 31, 2007
539 West 23 rd street
Caren Golden Fine Art
Alors que les murs blancs et les sols betonés se succèdent à Chelsea, on rentre dans un espace clos par un rideau jaune ocre en velours, des murs gris : la scènographie est imaginée par l'artiste. Surprise ! Pas d'encadrement ! Une peinture à l'huile sur du plexiglass, un sens aigu du détail pour ces personnages romantiques et tristes. Contraste entre le style "à la Goya" et le support très seventies sur fond noir (ou rose) et aux angles arrondis. Lorsque l'artiste assemble deux pannaux en angle droit, on voit se former un hologramme. A voir absolument. Acheter ? Trop tard, tout est déjà vendu dès le 2ème jour ($28.000 pour un support de taille moyenne). Agé de 30 ans, il vit à NY, et a déjà fait son autoportrait en encre sur vellin, monté sur du plexiglass... Andrew Sandor à 99 ans !
Pas la peine de chercher des infos sur google, on ne le connait à peine. Alors voici son mail : andrew@artofandrew.com !
Polynesian hens. 2005-2006, oil on Plexiglas, 59 x 46 inches

Oliver Herring
Febuary 21 - March 31, 2007
511 West 22nd Street
Max Protetch
On s'arrête dans cette galerie comme dans une boutique : les statues attirent l'oeil de l'extérieur. De près, c'est très troublant. Des sculptures d'hommes et de femmes nus, réalisés en polystyrène. Et pour faire plus "vrai" : un collage de morceaux de photos de personnages, une mosaique humaine, documenting every square inch of their bodies ! D'origine allemande, Olivier Herring est très connu pour ses travaux d'introspection et de photo-réalisme dans le monde entier. Réservé aux amateurs !

Jay Kelly
Recent drawings
Febuary 17 through March 31, 2007
501 West 23rd street
L'entrée de la galerie est située sur la 10ème avenue. Entrée sur un jardin japonais. La maison, qui fait l'angle, a été construite par les architectes Smith et Thompson. Elle est lumineuse et agréable. En haut, les dessins et huiles sur du vellum de Kelly sont minutieusement accrochés ($2.000 à $4.000), presque tous vendus ! En bas, des sculptures de Kehinde Willey en marbre ($1.000, cf Brooklyn museum), des dessins de Raushenberg, des toiles de Greg Parker aux formes géométriques...

Pause déjeuner : Half King, 505 West 23rd street. Ambiance agréable et nourriture aussi !

57th : The Big Picture

2007-03-07T10:59:00.000-08:00

Ellsworth Kelly "Diptych: Dark Blue/ Dark Green," 2001; 2 panel, 2 color lithograph; 40 x 41 inches; Edition: 45 + proofs; Signed and numbered in pencil

The Big Picture
Monumental Prints of the post-war period
Feb 8 - march 31
Susan Sheehan Gallery
20 West 57th street
The big picture est une des expressions favorites des américains. Ici, la philosophie de la gallerie (crée en 1985) est respectée : montrer des artistes contemporains Pop, minimalistes et expressionnistes abstraits (les plus connus !). L'espace n'est pas grand, le show commence en sortant de l'ascenseur. Jasper Johns (tableau à $140.000), Richard Serra (lithographie $ 20.000), Mitchell (les sunflowers, lithographies : $12.000), un très beau Sol Lewitt (litho, $7.000), Jack Youngerman (Blue brown, silkscreen, $3.500... l'illusion d'optique est toujours parfaite), et enfin Ellworth Kelly (litho, $10.000).
Pour info, Jasper Johns est plus connu pour son travail sur les nombres, les drapeaux (retrouvez-le au Moma). Richard Serra et Sol Lewitt ont été vus à la Dia Beacon (voir febuary), Ellworth Kelly est un peintre américain minimaliste et sculpteur, il est né en 1930. Lequel choisissez-vous ?

Diane Arbus Helen Levitt
A conversation
January 11 - March 10, 2007
Laurence Miller Gallery
20 West 57 th street
Les concepteurs ou commissaires d'expositions sont souvent tentés de rapprocher deux artistes pour faire dialoguer les oeuvres. Exemple : Dubuffet - Basquiat (Pace Wildenstein, juin 2006). Exercice difficile surtout lorsque les deux artistes n'ont pas de lien de parenté, ou ne se sont jamais rencontrés. Ici, la conversation ne fonctionne pas. Les personnages de Diane Arbus sont très complexes (child with a toy hand grenade incentral park, NYC 1962, $150.000 ; mother holding a child, $85.000). Ceux d'Helen Levitt sont très classiques (portraits divers, $4.000). Bien qu'étant de 10 ans son ainée, Helen Levitt a soutenu Diane Arbus, et lui a écrit une lettre de recommandation pour appliquer au Guggheim en 1962. La suite, le 8 mai prochain dans FUR, le film de Steven Shainberg avec Nicole Kidman !

Esteban Vicente
The aristocratic eye
15 febuary - 17 march
Ameringer Yohe Fine Art
20 West 57th street
Stop à la Gallerie Ameringer pour admirer quelques toiles d'Esteban Vicente. Chut ! Une américaine achète un huile sur toile. Le vendeur change de mur (pour l'occasion, ils ont été peints en ocre, et en orange). D'habitude, ils sont blancs et ça fait ressortir la superbe vue sur la 5ème avenue ! $68.000 pour cette toile abstraite, plutot décorative. Mais sait-on que le maître représente la première génération de l'expressionnisme abstrait, qu'un musée d'art contemporain à Segovia porte son nom (ses cendres reposent dans la chapelle juste à côté).
Esteban Vicente, Color transitions, 1986, oil on canvas, © 2007 artnet

Jeff Wall
Anri Sala
Febuary 23, march 31, 2007
Maria Goodman
24 West 57th street
Un air de chelsea dans les Fifties ! C'est l'impression qu'on peut ressentir en découvrant le film d'Anri Sala (né en Albanie en 1974). Pendant 10 minutes environ, essayez d'imaginer la scène : Zoom arrière sur un musicien suspendu sur le rebord d'une fenêtre d'un HLM du nord de Berlin jouant du saxophone !...

Pas facile non plus d'aborder Jeff Wall ! Les transparencies in light box sont gigantesques ! Les personnages devant la boîte de nuit sont plus grands que nature, le prix est surréaliste : $375.000 pour ce photoconceptualiste canadien présenté au Moma en ce moment.

In Front of a Night Club 2006

Transparency in light box

225.11x365.13x25.4, Inv#9932, @Maria Goodman

Le tresor dévoilé d'Henri-Cartier Bresson !

2007-03-05T19:02:00.000-08:00

Henri Cartier Bresson's scrapbook
Photographs 1932-1946

M !
Martin Munkacsi : Think While You Shoot!

January 19 through April 29, 2007

Intermational Center of Photography
1133 Avenue of the Americas at 43rd Street

Découvrir le fameux scrapbook d’Henri-Cartier Bresson resté caché pendant plus de 60 ans, et déambuler devant chaque tirage reste un moment privilégié à NY en ce moment ! « le meilleur de son travail », selon lui, 300 photos imprimées à Paris (grâce à l’aide du Moma puisque le papier était rationné), presque toutes collées dans un grand album acheté lors de son arrivée à New-York en 1946. Pour l’anecdote, les conservateurs du département photo du Moma avaient envisagé une exposition posthume à la suite d’une rumeur sur sa disparition. (Il est vrai qu’il s’etait échappé par trois fois des camps nazis). Il inaugura sa propre rétrospective en 1947, se qualifie alors de « photographe professionnel ». Le scrapbook fut oublié dans une vielle valise pendant des années. Martine Frank, sa femme avec l’aide de la Fondation Cartier, propose de vous le faire redécouvrir. On le feuillette comme un album de famille (portraits d’acteurs du surréalisme et de l’art moderne : Picasso, Matisse, Giacometti, Sacha Guitry, Paul Eluard, Louis Aragon, le couple Joliot-Curie …), et éternels voyages du photojournaliste d’Espagne à Mexico.
Un étage plus haut, les prints de Martin Munkacsi, photographe hongrois, sont époustouflants. Lorsque HCB découvre le cliché des « Boys running into the surf at lake Tnganyika » en 1935, « he couldn’t believe such a thing could be caught with the camera ! », une découverte heureuse et inattendue, une réelle joie de vivre, les 3 silhouettes forment une géométrie parfaite. HCB la conservera. Martin Munkacsi, toujours très novateur, révolutionna le monde de photo et de la mode américaine. Il disparu en 1967, presque ignoré. Le maitre français lui, co-fonda l’agence Magnum et poursuivit son aventure avec son fameux Leica en bandoulière…

Sous les Etoiles

2007-03-01T14:04:00.000-08:00

(Peneloppe - Matt Hoyle)

Matt Hoyle

Icebergs

8 Fevrier- 15 mars

Sous les Etoiles

560 Broadway #505

Des nageurs a Soho

L’allée de la galerie est étroite mais les photos sont grandes, spacieuses, presque luxueuses. Les portraits vous observent par-dessus votre épaule, à droite, à gauche, ces grands visages vous fixent et sourient sur votre passage. Sommes-nous sur les rives de la mer noire, au bord des datchas, à photographier des apparatchiks ? Le ciel est gris et bleu, la lumière argentée, il est 6 heures du matin en Australie Comme ces nageurs (russes ?) paraissent âgés !
Celle-ci avec son ventre bedonnant et son maillot démodé, celui-là l’édenté, plus loin ce couple : chacun prend la largeur d’un cadre étriqué. Ce couple si ridé, si marqué par le temps, la souffrance, tout s’accumule sur ces tronches caverneuses. Et pourtant... Bonté, bonheur, sourires, générosité, fraîcheur ! Ces portraits pris si près, ces images accrochées si proches, tout respire le courage la volonté, et l’humour.

Visitez l'exposition, vous ne regarderez plus les nageurs comme avant, vous regarderez l'avenir.

The Armory Show 2007

International Fair of New Art

Rien à signaler à l'Armory show cette année à part un repli sur un seul pier au lieu de deux l'année précédente, moins de curiosite, le record de 62 millions de dollars de 2006 ne sera sans doute pas battu. Beaucoup de photos souvent hors de prix (ex : un grand format d'Andreas Gursky proposé à $ 300.000). Des oeuvres vues dans des musées ou des galeries qui rappellent l'actualité de l'art à NY : portraits et paysages d'Alex Katz (Jewish museum, Pace Wildenstein), sculptures de Kiki Smith (Withney Museum), dessins de Brice Marden... Beaucoup de conceptuel très abstrait et pas souvent créatif, un brin de provocation de New-Delhi (portrait d'une femme voilée composéee de mini-photos provocantes), une série de dessins "à la New-Yorker" par Moyna Flanningan (http://www.sarameltzergallery.com) et un rappel de l'artiste bien connu maintenant pour son art multimédia, Kwang-Young Chun, de Séoul, (http://www.kukjegallery.com/). Une diversité telle qu'on se noie dans le "déja vu" alors permettez-moi de vous faire admirer l'oeuvre d'art de la galerie Emmanuel Perrotin (celui qui vient de lancer une collection de robes Tara Jarmon avec l'artiste Peter Zimmermann en série limitée). Il s'agit d'un petit trou dans la cloison d'exposition orné de quelques trais au feutre noir, de Pior Uklnski (artiste polonais), "hole in a plaster wall with graffiti" (variable dimension), pour la modique somme de $69.000 !!!

Janvier aux Musées

2007-02-25T14:51:00.000-08:00

Brice Marden
A Retrospective of Paintings and Drawings
October 29, 2006–January 15, 2007
MOMA
Une rétrospective de Brice Marden à l'occasion de ses 40 années de peinture est un événement au Moma ! Né en 1938 a Bronxville, l'artiste a commencé sa carrière avec des monochromes lumineux (argent, vert, jaune, mauve) : place à l'energie créatrice grand format ! Puis, l'abstraction minimaliste s'est convertie en formes abstraites à l'aide de matériaux divers (cire, etc.), il a aussi été influence par la caligraphie. Enfin, au début des années 80, le peintre a étiré son pinceau pour évoquer des figures géométriques, des silouhettes, comme pour se reconnecter avec l'Expressionnisme abstrait. La lumière du 6ème étage du Moma est absorbée ou réflechie par les surfaces, la couleur de chaque travail est unique et presque impossible à décrire. L'émotion est là. Tellement évident à l'oeil nu qu'on croirait l'avoir toujours vu ! On n'aime ou on n'aime pas.

Brice Marden. (American, born 1938). Vine. 1992-93. Oil on linen, 8' x 8' 6 1/2" (243.8 x 260.4 cm). Gift of Werner and Elaine Dannheisser. © 2007 Brice Marden / Artists Rights Society (ARS), New York

MOMA
Doug Aitken : Sleepwalkers

January 16 - Febuary 12, 2007
free ou freeze exhibition ?!
Ballade nocturne du coté du MoMa, entre 5 heures et 10 heures du soir, pour regarder les video de Doug Aitken sur les murs de trois building ! Artiste californien multimedia d'une quarantaine d'années, Doug Aitken a filmé des gens qui dorment, qui se réveillent... pendant 14 minutes. Un comble pour une ville qui ne dort jamais ! Les sequences sont synchronisées, les personnages sont tres variés.... Le reste, je ne peux pas vous le raconter, mes pieds étaient trop gelés pour pouvoir rester jusqu'à la fin. Mon voisin, mieux couvert et aussi mieux organisé, écoutait le commentaire sur son téléphone portable, un autre me conseillait d'aller voir la bande annonce sur Youtube ! Mais pourquoi diable ne peut-on pas le faire en drive-in ?

Brooklyn Museum
Il ressemble à un musée européen, dans son architecture (mélange ancien et moderne), dans sa décoration (murs colorés), ses méthodes d'exposition (didactique, espace enfants, réserves visitables comme au Musee des Arts et Métiers à St-Denis), sa signalétique ... et la présentation de ses collections, très originale (mélange des arts du design, des peintures, des céramiques...)
On retient forcément la version originale de Kehinde Wiley de Napoleon Bonaparte à l'entrée, ça se passe de commentaire !

Kehinde Wiley (American, b. 1977). Napoleon Leading the Army over the Alps, 2005. Oil on canvas. Collection of Andrew Cohen.

Annie Leibovitz
Photographer's life, 1990-2005
October 20, 2006–January 21, 2007
Brooklyn Museum
Les derniers jours de son exposition, la foule se presse comme devant le centre Pompidou pendant les vacances scolaires... Et devant les photos, il y a trop de monde pour prendre le temps de se souvenir dans quel magazine on a pu voir Demi Moore enceinte et nue, Nelson Mandela à Soweto, les Clinton en famille le soir des élections, ou encore la traditionnelle photographie de Georges Bush avec les membres de son cabinet à la maison blanche. Pas le temps d'être nostalgique donc, la star serait-elle victime de sa popularité ?

Annie Leibovitz (American, b. 1949). Nicole Kidman, 2003. Photograph © Annie Leibovitz. Courtesy of Vogue. From Annie Leibovitz: A Photographer's Life, 1990–2005

Ron Mueck

November 3, 2006–February 4, 2007
Un peu plus loin, une statue gigantesque d'un homme nu assis sur une chaise en bois, attire notre regard ; il semble tres géné. Ce wild man mesure plus de 9 pieds ! Ron Mueck manipule les fibres de glace et le silicone parfaitement : on croirait voir de vrais personnages. Toujours trop grands (Big man de 2 mètres sur 2), ou trop petits, les sculptures étonnent parfois, ou peuvent même choquer ; elles mèlent une relation ambigue avec la réalite et l'artifice. Bravo à cet ancien marionetiste de Sesame Street !

Ron Mueck (Australian, b. 1958). Mask II, 2001–2002. Mixed media, 30 3/8 x 46 1/2 x 33 1/2 in. (77.2 x 118.1 x 85.1 cm). Collection of the Art Supporting Foundation to the San Francisco Museum of Modern Art

December 2006

2007-02-13T11:05:00.000-08:00

Happy Andy Warhol-idays !
Barney's
660 Madison Avenue

20 ans après sa mort, la « warohliana » sévit encore. Phénomène nostalgique ou culturel, on trouve les traces d’Andy Warhol dans des gadgets : mug, calendriers, tee-shirts, tapis, sacs, ou jean’s Levis baptisé "Warhol Factory X", édition limitée des cannettes de soupe et 4 vitrines de Barney's !
Michael Stone, directeur de la beanstalk Group (l’agence de licence pour la fondation Warhol) indique que les bénéfices des produits licenciés représentent entre 40 et 50 millions de dollars.

« Being good in business », avait écrit Andy Warhol...

John Currin

Nov 11, 2006 - Jan 27, 2007
GAGOSIAN Gallery
980 Madison avenue
Tous les visiteurs sont figés devant les tableaux de John Currin. Deux raisons à cela :1 - Les natures mortes sont magnifiques (art figuratif, parfois surréaliste),2- Les scènes érotiques sont d’une sensualité débordante, on craint même de croiser le regard de son voisin ! A 45 ans, Jim Curin, diplomé de Carnegie Mellon University, mélange le style de peinture européenne (des 16 et 17èmes siècles), et l’extravagance contenporaine. Le tout dans l’immense gallerie Gagosian sur Madison avenue. Vive l’érotisme chic !

Kissers, 2006

Oil on canvas23 x 25 inches

(58.4 x 63.5 cm

L.A. Objects & David Hammons Body Prints

October 20 – November 22, 2006

The Tilton Gallery,

East 76th Street NY 10021

Ne manquez surtout pas les fameux body Prints de David Hammons dont tout le monde parle ! Ils sont différents de ceux d’Yves Klein : l’artiste s’est lui-même enduit de peinture pour essayer, la découverte est passionnante. Le message à l’image de l’artiste : afro-americain. L’atmosphere qui se dégage ressemble à celle du Studio Harlem (Frequency, decembre 2005) mais en plein quartier Est. La star, influencée par le mouvement DADA et Marcel Duchamp, sera-t-elle gagante du prochain grand Armory Show ?

David Hammons, Body prints

November 2006

2007-02-09T14:24:00.000-08:00

Thursday, November 09, 2006

Reste-t-il encore des galeries à Soho ?
Soho est devenu un endroit très touristique, et très "shopping" où se trouvent toutes les enseignes les plus connues, tel un mall en plein air. Seules, quelques galeries persistent...

Au coin de Greene Street et Broome Street, on croirait voir une galerie d'un genre très particulier. Les nombreuses vitrines présentent des mannequins nus assis et colorés, derrière une vraie jungle avec des animaux sauvages et des fleurs géantes !

Malheureusement, ce n'est pas une galerie mais le showroom de Sicis, the art factory, une entreprise intalienne qui montre (sur une surface de 13000 sq. feet) de véritables chefs d'oeuvre en mosaïque (intérieurs design, tapis de céramique, murs pop art... un vrai spectacle. 470 Broome street at Greene Street, www.sicis.com

Louise Bourgeois, Works on Paper from the 1940’s and 1950’s
Sep 5 - Nov 4, 2006

PETER BLUM SOHO

99 Wooster Street
Peter Blum Gallery reste pour les connaisseurs, une galerie "sûre" et connue. Elle présente aujourd'hui les dessins de Louise Bourgeois de 1940 a 1950. L'artiste s'est inspirée des paysages de la Creuse de son enfance... Le trait à l'encre et le mouvement du crayon font parfois penser aux dessins de Van Gogh !

Untitled, 1950 - www.peterblumgallery.com

CODA Gallery

472 Broom street

La galerie Coda est très accueillante. Elle est surtout d'une grande diversité. Hommage a Joanne Teasdale, dont les dernières toiles sont d'une précision et d'un réalisme incroyables. Influence de la photographie ou phénomène de mode chez les artistes en ce moment ? Joanne Teasdale, Things Past

Place à l'Abstractionnisme avec Peter Burega, un artiste d'origine canadienne. Coup de foudre pour ses couleurs, son travail : des huiles, de la cire et du vernis. On se prend à rêver comme si on se trouvait devant la caravelle du temps. Son parcours est atypique : pianiste, procureur... et artiste !

http://www.codagallery.com/

Alors que ce soir, Sotheby's organise l'une des plus grosses ventes de la saison : Modigliani, Picasso, Cezanne, Van Gogh...

Untitled, Copyright 2003, Ventana Fine Art

Sunday, November 05, 2006

Un automne à Pepsico

Le jardin des sculptures de Donald M. Kendall se trouve à environ 45 minutes de Manhattan (Hutchinson North). C'est en réalite le siège de la compagnie Pepsico. Une cinquantaine de sculptures sont exposées sur 160 hectares, en harmonie avec la nature. Le site est ouvert au public, la visite est gratuite, seul, en famille ou avec des amis.

Avant de rentrer dans le froid de l'hiver, une promenade s'impose.Au commencement de la ballade était Eve !(d'Auguste Rodin).

Il n'y a pas vraiment de sens, nous sommes les guides d'un itineraire improvisé.Derrière chaque buisson se cache un trésor de l'art du 20ème siecle, le parcours devient surrealiste (Capricorn, Max Ernst).

On se retourne encore : Triad, d'Arnaldo Pomodoro,artiste contemporain ("toujours vivant !" relèvent les enfants).

Jean Dubuffet remporte toujours un grand succès, le Kiosque l'Evidé saute aux yeux.

Un peu plus loin, Hats Off, la sculpture majestueuse d'Alexander Calder. Elle figure d'ailleurs sur la couverture du prospectus. Mais aucune adresse de site internet n'y est indiquée, et sur le site internet de Pepsico, les renseignements sont rares.

Les couleurs d'automne donnent un éclairage particulier aux oeuvres. Pause au bord du bassin ou le Grizzly Bear de David Wynne tourne le dos aux poissons.
La découverte des oeuvres est un plaisir. La luminosité et la mise en scène naturelles sont remarquables. Henri Moore, sculpteur italien, disait que "les sculptures sont comme des êtres vivants : elles ont besoin d'espace, il leur faut "respirer". Elles doivent subir l'été et l'hiver, la brume et le soleil, le jour et la nuit".

Place aux formes parfaites,à ses pouvoirs énergisants : Energy Void (Isamu Nogushi- dont on a adoré son jardin-musée dans le Queens),

Double Oval d'Henri Moore.

Plus romantique, le Lily Pounds avec ses vrais nénuphars, et aussi, le Personnage de Miro qui ressemble finalement à E.T. !

L'entrée du site est évidemment très soignée, la Girl with a Dophin (Henri Moore) orne le jet d'eau du bassin. Le "Golden path" créé par Russell Page, est un espace très intimiste (même si les employés dans les bureaux de verre sont juste en face de nous !). Les oeuvres, posées sur les 3 bassins japonisants, ont des formats beaucoup plus petits.

Qui ne s'est jamais senti comme

Le Matin, d'Henri Laurens ?

Ou comme la Reclinging Figure, d'Henri Moore ?
On oublierait presque qu'on se trouve au Siège du fameux vendeur de soda... sauf que la valse des chauffeurs dans l'allée nous fait revenir tout droit à la réalite de l'entreprise. Alors que les cadres en costume sombre, la valise à la main courent après le temps, nous nous réfugions dès le premier virage dans la troisième dimension.

Three people on Four Benches de George Segal nous convient à partager une place sur le bancen

admirant la Giant Trowell II de Claes Oldenburg.

October 2006

2007-02-09T09:00:00.000-08:00

Sunday, October 22, 2006

MoMA
Eye on Europe, print, books & multiples, 1960 to now
October 15, 2006–January 1, 2007

European artists (100 artistes issus d'une vingtaine de pays) have explored mediums ranging from woodcuts to wallpaper. L'exposition est très documentée, classée par thèmes : le langage, les mass media, l'impulsion expressionniste... Même les murs blancs du Moma ont disparu au profit de variations de gris, bruns. On trouve et retrouve les oeuvres de Richard Hamilton, Gerhard Richter, Olaf Nicolai, Joseph Beuys, Ben, Niki de Saint Phalle, etc... l'expo complète se visite sur le site du MoMA www.moma.org/

The colour spectrum series, 2005

MOMA

Out of Time : a contemporary view
August 30, 2006-April 9, 2006

Thème récurrent chez les artistes, la notion du temps rejoint ici les partis pris politiques.

Les photos de Carrie Mae Weems sur le statut des africains-américains. Les personnes ont toutes un air resigné, les fonds sont rouges et noirs, l'artiste a ajouté aux photos d'époque des phrases pour donner la parole à ceux qui ne l'avaient pas, l'oeuvre s'intitule "From here I saw what happened and I cried"...

Wangechi Mutu Après Chelsea nous retrouvons cette jeune artiste au musée avec la mise en scène d'une féministe nigeriane. On adore son travail !
(voir Chelsea sous la pluie du 8 juin : http://www.sikkemajenkinsco.com/)

Gerhard Richter, "Oct 18, 1977" toute une salle est consacrée aux 15 tableaux noirs et blancs inspirés des photos de presse d'un fait divers : la mort en prison de quatre membres du groupe terroriste allemand The Red Army Faction. L'ambiance est lourde.

Cai Guo-Quiang, "Drawing for Transient Rainbow", gunpowder on two sheets of paper, un travail qui surprend l'artiste lui-même puisqu'il n'en maîtrise pas complètement le résultat! il a choisi un matériau habituellement utilisé pour détruire, dans ses oeuvres, il l'utilise à des fins créatives, constructives.

Rachel Whiteread, "Untitled (paper backs) 1997 ". Ca aurait pu être le dernier décor de Bernard Pivot pour Apostrophe. On entre dans cette bibliothèque comme si on se trouvait chez soi, pourtant tout n'est qu'illusion, la maquette est en platre, les formes inversées, c'est un espace en négatif.
On Kawara (apercu a la Dia Beacon) est bien entendu présent lui aussi avec ses tableaux "calendar", un par jour, tous conçus sur le même modèle.Enfin, Rineke Dijkstra. Pourquoi cette série de photos nous interpelle-t'elle autant ? Parce que tout simplement l'artiste, à travers le choix de son personnage, nous montre ce que nous possédons tous : un album de photos ! qui montre la fuite du temps, le passage de l'enfance à l'âge adulte, nostalgique...

Prévoir une pause café au 5ème étage, Terrace 5, avec vue sur le jardin des sculptures en attendant la réouverture de Café 2, au 2ème étage.

Pour déjeuner, on vous recommande Dishes 6 east 45th street: pour un américain, un salad bar vraiment amélioré et pour un français, le concept cafèt Casino complètement relooké ! On y déjeune très bien en écoutant Moby... Plusieurs adresses à NY http://dishestogo.com/

Friday, October 20, 2006

Upside down

Anish Kapoor

September 19 - October 27

Anish Kapoor "Sky mirror" at Rockfeller Center, reflecting Fifth Avenue life in inverse.

C'est grand, mais pas imposant, épuré et justement pensé, pourquoi ne pas laisser cette superbe sculpture qui nous met la tête sans dessus dessous ?

Le sculpteur Anish Kapoor est né en 1954 en Inde et vit actuellement à Londres. Ses oeuvres sont simples, aux formes arrondies, le plus souvent monochromes et lumineuses. "Most often, the intention is to engage the viewer, evoking mystery through the works' dark cavities, awe through their size and simple beauty, tactility through their inviting surfaces and fascination through their reflective facades."

Tuesday, October 17, 2006
Dale Chihuly at the Botanical Garden in Bronx

"Gardens and Glass"

Concue spécialement pour le jardin botanique, l'exposition de Dale Chihuly est une merveille, au point d'en confondre les oeuvres en verre avec les plantes ! Les tableaux se succèdent, le mariage de l'art et la botanique est très poétique. Le grand public est émerveillé, les adultes comme les enfants, tous se prennent au jeu de la piste aux intrus sur les différents sites decorés par l'artiste (et ses collaborateurs).Car Dale Chihuly n'en est pas à sa première expérience grandeur nature. Du musée du Tacoma (Etat de Washington où il est né en 1941) à la Maison Blanche, en passant par l'Angleterre ou Jerusalem, l'artiste colorie les paysages avec le verre soufflé (il a d'ailleurs fait partie de la première promotion en Amérique, à l'Université du Winconsin en 1966).Et bien qu'il ait perdu la vision d'un oeil lors d'un accident en 1976, il ne cesse de nous émerveiller et de poursuivre ses recherches artistiques dans le monde entier (y compris Murano, of course !)

nb : tres beau site web www.chihuly.com

Tuesday, October 10, 2006

Dia Beacon

3 Beekman Street Beacon

Beacon

A une heure de New-York, sur les bords de l'Hudson River, une usine désaffectée construite en 1929 par le fabricant de biscuits Nabisco a été transformée en un lieu vraiment unique, 20 000 m2 dédiés à l'art...

La fondation Dia Beacon est un musée d'art contemporain monumental et vertigineux par ses dimensions et sa collection.

Michael Heizer
"North, East, South, West", 1967-2002On se sent aspirées à l'intérieur des formes gigantesques. Carré, rectangle, rond, oval : quatre formes géométriques inversées, quatre points cardinaux, 20 fit deep, spectaculaire ! Achevées en 2002, le projet a pris 10 ans de la vie de cet artiste californien né en 1944. Monumental land art. Heizer prefers the term size to scale. "NESW engenders a sense of potential physical danger that dramatically charges the viewing experience." Atmosphere of awe.

Fred Sanback
Artiste new-yorkais 1943-2003. Son travail sur "Physical relationship" porte sur les effets d'optique. Ses fils de laine savamment placés donnent l'illusion de plaques de verre posées au pied des murs, "My work is full of illusion, but they don't refer to anything"...

Richard Serra
"Torqued ellipses" 1996-1997
Immensité des sculptures, quatre sphères en acier rouillé, une oeuvre unique au monde : comme une attraction dans un parc, cela donne le vertige. We had fun ! Mélange des sensations : labyrinthe, crainte, peur, le spectateur est acteur.

Torqued Ellipse II, 1996; Double Torqued Ellipse, 1997. Dia Art Foundation; gift of Louise and Leonard Riggio. 2000, 2000. Dia Art Foundation. Photo: ©©Richard Barnes.

Louise Bourgeois
"Spider" 1997
Evocateur d'un cocon, d'une carapace, d'une prison, "shell like vessels", l'oeuvre est située à l'étage, dans un grenier avec un garde, rien que pour nous et qui nous suit de près... La cage est fermée.
Spider, 1997. Collection of the artist. Photo: Michael Govan.

John Chamberlain
Abstract expressionnism sculptor. Ventilateur, métaux colorés, entrelacés... si les materiaux ne sont pas nobles, l'oeuvre est poétique.

The Privet, 1997. Lannan Foundation; long-term loan. Photo: Nic Tenwiggenhorn.

On Kawara
"Today series"
Kawara, sculpteur japonais autodidacte, a commencé au milieu des années 60 son opus: "Each of the Date Paintings that constitute this ongoing work is a monochrome field on which is inscribed the date of the day on which the individual painting is executed, in the language and according to the calendrical conventions of the country in which Kawara is present when he begins it. If he does not complete it by midnight he destroys it. Some days he makes more than one; very occasionally, a third is added to that second before the midnight deadline strikes. Most days he makes none." 112 cities worldwide. 36 paintings, 35 years: que se passe t'il dans des pays différents mais au même moment ? une réflexion sur le temps qui passe...

Thirty-six Date-Paintings of 35 years from the Today Series (1966-2000). Dia Art Foundation; Lannan Foundation, long-term loan; collection of the artist.

Au sous-sol, c'est ambiance boîte de nuit et annees 80 avec les installations de Bruce Neuman. Plus loin, On retient One Hundred Fish Mountain, une sculpture fontaine franchement rafraîchissante !
On termine par Andy Warhol et ses 72 toiles accrochées côte à côte dans une salle qui lui est dédiée, ambiance loft, soft.

Andy Warhol, Shadows, 1978-79. Dia Art Foundation. Photo: Bill Jacobson.

http://www.diabeacon.org/

Monday, October 02, 2006

Lower East Side, tout nouveau tout beau

Scott Lyall, A dancer dances,

Miguel Abreu, 36 orchard St

through October 22,

Visite guidée en français par le galiériste. Un pot de yaourt Activia, une grape de raisin et des emballages de muffins au pied de deux tableaux. D'abord déconcertées, les commentaires nous aident à comprendre l'installation, la rendant finalement passionnante. 16 oeuvres, 1 danseur, des références à Chorus Line et aux calculs mathématiques, l'ensemble est subtil.

Photo New-York Magazine, Courtesy of Miguel Abreu.

http://www.miguelabreugallery.com/

Borre Saethre, I've been guilty of hanging around,

through October 15,

Participant Inc. 95 Rivington St

Ambiance polaire, mélange de taxidermie et de technologie: un ours grandeur nature nous accueille suivi de très près par une bande de rapaces aux yeux étincelants. Tout cela dans une ambiance sonore d'explosion, "crashing noise". http://www.participantinc.org/

Dash Snow, Silence is the only true friend that shall never betray you,

through October 15,

Rivington Arms 4E.2nd St

Trash, gothique, fétichiste et Dadaïste, on a beau l'avoir vu à la Biennale du Withney l'automne dernier, on en ressort mal à l'aise mais pas convaincues...

http://www.rivingtonarms.com/